Sound Essay by Frantz Loriot for Wrong Wrong Magazine (February 2017).

http://wrongwrong.net/article/reflections-on-an-introspective-path


Reflections on an Introspective Path

According to Marcel Duchamp, to create we need to forget what we have learned. It is only by transcending what we have been taught, from an early age, that we can enter a real creative process. My solo pieces entitled Reflections on an Introspective Path are an attempt to achieve this transformation and to actively reflect upon it. Occidental string instruments have a particularly heavy, cloistered and well established homogenized tradition and avant-garde expression, which are pretty difficult to get rid of as a performer, especially if you have followed the so-called academic curriculum.

After having studied and performed different musical genres from classical to pop, from contemporary, improvised, experimental and electro-acoustic to rock, I realized it was time for me to find my own path in all these different styles. The first step I took was to ‘forget’ the knowledge gained from the outside and to get rid of the habits I had acquired and put to practice for over two decades.

The main influence that brought me to this new path was probably the acousmatic music, a musical movement initiated by the French composer Pierre Schaeffer (1910-1995) in the late 40's. The term acoustmatic was borrowed from the Greek philosopher and mathematician Pythagoras, who taught his students from behind a curtain so that they could not see him nor his movements, allowing them, therefore, to focus on the voice without being disturbed by sight. Indeed, consciously or not, we tend to see images while hearing noises or listening to sounds. Pierre Schaeffer put this idea into a musical form and created music and sounds, which had no visual references, through the use of the new technologies of his time. He also invented the multiple speaker diffusion system, or the speakers’ orchestra called the acousmonium. Nowadays, this musical field or movement is still in activity. Composers use different machines and computers in order to transform and modify the sound and spread their composition through the acousmonium.

My approach is slightly different, since I do not use any machines or electronic effects to modify the sound I produce. I start from the acoustic point and develop my own extended techniques to obtain ‘new’ and unusual sounds from my instrument. However, I keep in mind the idea of losing any visual reference – in this case of the instrument itself. Once all the different unpredictable, complex and surprising sounds are found, new issues show up concerning the form and the meaning of all this procedure. What was actually the point of finding all these unfamiliar sounds and tones and to create this non-complacent musical space?

Marcel Duchamp’s The Afternoon Interviews (1964) and the collection of writings by Iannis Xenakis, Kéleütha (1955-1988), made it obvious that this ‘sound material’ should be assembled and given a concrete form as well as a precise direction. In this perspective, the hereby recording, its tracks and titles, the suite Confluences (in 3 movements), Equilibrium, Wick Machine and Thwart Path & Attained, refer to the idea of Movement. To finalize this ‘object’ which, in a certain way, questions the limit between the materiality and the immateriality of sound and music, I asked the artist Morgan O'Hara to draw the cover for the record. I thought her work would suit this approach and her drawing evokes the movements of my hands while performing in her New York studio. It also reflects, obliquely, the timing, shapes and form of my music. She called it Live Transmission.




By Franpi Barriaux for Sun Ship (December 2016)

The records of the duo with Christoph Erb «Sceneries», the NLE «Urban Furrow» and the SDO «the Assembly» were elected records of the year 2016 and special mention for Frantz Loriot who got elected musician of the year 2016 by Franpi Barriaux.


C'est désormais la tradition... C'est même devenu, paraît-il un exercice obligé, à l'heure dite. Après avoir déposé une première liste de 25 albums sur la page Facebook de Sun Ship, j'ai replongé dans l'année 2016, fort des plus de cent chroniques réalisés ici et la centaine de chroniques proposé à ce cher Citizen Jazz, qui fête cette année ses 15 ans. Il a du passer sur les platines (les, puisque figurez-vous qu'on reçoit de plus en plus de vinyls). C'est un constat, il y a beaucoup de disques. Et c'est un autres constat, il y en a toujours des bons.
De partout, et beaucoup.
Musicalement, il y a eu de belles choses. L'explosion d'un musicien comme le violoniste Frantz Loriot, qui est vraiment le musicien de l'année, avec de nombreux disques inscrit dans cette liste. La confirmation aussi de musiciens de cette famille incroyable autour d'Anthony Braxton qui a, avec Echo Echo Mirror House, créé un nouveau langage absolument ébouriffant ; Mary Halvorson et Taylor Ho Bynum ont eux aussi poser des jalons formidables. Ca a été fort dur de faire cette sélection. Sans doute la plus dure de ces dernières années : sans doute y-a-t-il eu moins de grands disques qu'en 2015, mais la trentaine qui est sorti du lot était vraiment homogène.

http://www.franpisunship.com/archives/2016/12/12/34671720.html



By Peter Margasak for Downbeat Magazine (January 2017)























































































By Ken Waxman for Jazz Word (November 2016)

Fissure not fusion could be the word that most closely mirrors the activities of French-Japanese violist Frantz Loriot. A former resident of both Paris and New York, he’s now set up shop in Zürich where he moves among so many multidisciplinary project that it would appear he can clone himself. Take the two CDs here which showcase his talents for either micro or macro invention.

Concerned with the singular and reductionist qualities of duo playing, the tracks on Sceneries are the equivalent of peering through four murky glass panes in the same window. The vision is the same but slightly distorted, depending on which angle is least clouded. Loriot’s partner is Lucerne-based tenor and soprano saxophonist Christoph Erb, another day tripper who has played with stylists as varied as Fred Lonberg-Holm and Michael Zerang stateside and Paul Lovens and Han Koch in Europe. In contrast, like a party balloon that can be inflated to zeppelin size, The Assembly assembles an assembly of 11 New York-based players to poke and probe at the four tracks that are either Loriot or group instant compostions. Ironically the additional players add expanded abstract timbres rather than group harmonies. Unconventionally formulated the Systematic Distortion Orchestra consists of one saxophonist, four brass players, two double bassists, three percussionists and Loriot.

Rippling string strokes and near airless reed gusts characterizes the meeting of Erb and Loriot. Multi-directiinal as well as mulitphonic, initially the contrasting tones are expressecd via unaltered circular breathing on the reedist’s part and fiddle string plucks so staccato that the scratches could come from an enraged feline. Yet like faint moon glimpsed through that same disky wondow pane, the abject stillness is often interrupted by more bellicose tones that could be a cap-gun outburst, or an insisstent engine drone. By “Annoyed Hibernation” and the following “Tincture” like choleric nappers roused from repose the two connect on a visceral level as sibilate lip motions and yelps from the reedist plus see-sawing double stroking from the violist work up into such a pinnacle of shrillness that human-sounding pain is almost heard. The jagged edges are smoothed down on the subsequent and longest track, with tandem cries and sprawls calmed with slower timbres and then pick up speed again. Before a finale that resembles an aural boxing match of snorting tongue slaps and string-stropping, pizzicato slaps from Loriot and shill, rough burbles from Erb meld into a nearly tone as if the two have become one.

One would be the loneliest number if not for the 10 additional players present on the other CD. However like a lab experiment put into beta trials, the duo tone melding of Erb/Loriot is interpolated to this larger group. More attuned to a caustic Free Jazz aesthetic, the disc’s concentrated narrative moves forward on the first two selections via protracted drum rumbles as blitzkrieg-like attacks from individual horn and string players attempt to disrupt the proceedings. Because of this, cumulative sul ponticello string rubbing and jagged Donald Ayler-like trumpet blasts make the heraldic exposition pivot widely as it advances. Eventually though, like the well wrapped birthday present made out of odds and ends, these busy disparate tones reach a climax of rugged percussion snaps and inner tube saxophone vibrations. Adept plunger tones from trumpeters Brad Henkel and Joe Moffett gnaw enough of a hole in the miasma to establish a theme that once established slowly fades.

A puzzling interlude of music and recitation by bassist Sean Ali slows down the momentum of the session, which doesn’t kick back into high gear until the concluding “Le Relais”. Also the only time Loriot moves to the forefront his strident slices and whistles move in and among the others’ work with the intent and aggravation of a buzzing mosquito. Eventually as his stinging insect bite-like shrills redirect the others as if they were seeking quarantine, concentrated beats from the percussionists and heraldic brass slurs concentrate into an extended multi-part crescendo and finale.

Just as his geographic identity is fluid, so too are the skills Loriot exhibits as a player and improviser. These CDs demonstrate his dual talents. Both are equally notable, as long as you don’t mind the recitation on the large group set.




By David Cristol for Jazz Magazine (F) (October 2016, nº688)









About Der Verboten «der dritte Treffpunkt»


By Pierre Durr for Le Son du Grisli (August 2016)

Un des moments les plus intéressants fut le concert de la résidence (initié par l'altiste Frantz Loriot) de Der Verboten (ses partenaires furent Christian Wolfarth (percussions), Antoine Chessex (saxosphone), Cédric Piromalli (piano) donné en cette fin d’après-midi du samedi : des instruments frappés, frottés, effleurés, une accumulation de sons, d’apparence disparates au départ, qui peu à peu se trouvent, se combinent, se tendent, jusqu’à la déchirure (opérée par le sax). Un discours d’une certaine linéarité, aspect qui fut une des images sonores de cette édition de Météo (cf. par exemple Breschand, Majkowski, Delpanque… ) mais distillé chaque fois différemment avec plus (ce fut le cas ici) ou moins (Delpanque) d’émotion.




About FL - Systematic Distortion Orchestra


By Memory Select: Journeys in Creative Music (October 2016)
These are big-concept pieces executed by an 11-piece band including some stars of the Brooklyn out-jazz scene. They go through long stretches of improvising, and as you’d expect, they can produce quite a bit of sound.

But there’s organization: Each of the four mid-length tracks seems to focus on executing a central idea, a particular mood. Violist Frantz Loriot sends his group on an improvisatory mission every time, with volume and cluttery chaos applied to a purpose.

For example, I think of “Echo” as the “blare” piece. Starting from the rudiments of silence, it builds in the form of unison horn notes, serious and slow, backed by clattering percussion (produced by three drummers) and an ominous bass drone. It all builds to a violent climax, but for me, there’s a sense of stillness that pervades the piece.

“The Assembly,” on the other hand, is built to produce a dense rustle. Again starting from practically nothing, it builds up into a jumble of scraped and plucked strings, eventually adding up to an abrasive buzz almost like a noise piece, even though the Systematic Distortion Orchestra is an all-acoustic group.

“… Maybe … Still …” is an exercise in quietude, a poem spoken in dramatic tones by bassist Sean Ali against a backdrop of small, sound-based improvisation — a minimalist industrial vibe that continues in lower-case fashion after Ali has had his say.

And then there’s “Le Relais,” a percussive forest that gives way to the full orchestra, with plenty of emphasis on strings. An octave chord on Loriot’s viola signals the change to the new landscape of quiet rustles and night sounds.

The Assembly nicely pairs planned structure and the glorious chaotic blur of large-group improvising. Thanks to saxophonist Yoni Kretzmer and his OutNow label for giving it an outlet.




By Vital Weekly (August 2016)

Earlier we presented the beautiful solo-album ’Reflections on a Introspective Path’ by Loriot, a violist of Japanese-French origin. This time he knocks on the door with a recording by his own NYC-based large ensemble. We hear: Nathaniel Morgan (alto sax), Brad Henkel (trumpet), Joe Moffett (trumpet), Ben Gerstein (trombone), Sam Kulik (bass trombone), Sean Ali (double bass, words), Pascal Niggenkemper (double bass), Carlo Costa (drums & percussion), Devin Gray (drums & percussion), Flin Van Hemmen (drums, percussion) and Frantz Loriot viola.

In 2015 he released ‘Urban Furrow’ for the Portuguese Clean Feed-label by his Europe-based Ensemble The European Notebook Large Ensemble. ‘The Assembly’ was recorded in that same year on January 21st , in a studio in Brooklyn. Of the four tracks, first (’Echo’) and last one (‘Le Relais’) are composed by Loriot. The title track and ‘...Maybe... Still...’ are by the ensemble. The opening piece ’Echo’ has a primary role for the drummers.

The composition works towards a climax. It has the blowers repeating more or less the same phrase over and over, with rolling and thundering drums on top of it, creating a very concentrated and fascinating stream of energy. ‘The Assembly’ is a lovely cacophonic improvisation with a lot of details. ‘.... Maybe...Still...’ is something completely different. A text by Sean Ali, read by Ali himself is on the forefront here, with improvisations in the background. Halfway the piece continues as a subtle sound-improvisation close to silence. Also the opening of the final composition ‘Le relais’ again rises up slowly from silence, by the drummers playing a diversity of percussive instruments. Strings and subsequently wind instrument join in later and give way to fascinating interactions.

Engaging stuff! (DM)




By Franpi Barriaux for Franpi Sun Ship (August 2016)

A chaque fois que nous rencontrons Frantz Loriot sur un disque, depuis que nous l'avions découvert l'année dernière à l'occasion d'un fameux solo au violon alto, son instrument de prédilection, on se dit que nous avons à faire à l'un des plus brillant représentant d'une génération.
Son récent duo avec Christoph Erb, tout en brisures et en remous en est un exemple, mais c'est sans doute avec sa famille New-Yorkaise que le violoniste est le plus à l'aise.
Famille ? On peut utiliser le mot lorsqu'on découvre le line-up de son orchestre à onze pupitres où l'on retrouve bon nombre de musiciens croisés dans l'Acustica du batteur Carlo Costa qui est présent ici aussi, dans le déluge du Systematic Distortion Orchestra (SDO). Une famille qui peut aussi revêtir d'autres avatars, ceux moins Free du Notebook, qui ne fait qu'accentuer l'aspiration de Loriot pour les grands ensembles.
Jugeons-plutôt de la parenté du SDO, de l'Acustica et même de l'Aum Grand Ensemble ou le Vision 7 de Niggenkemper qu'on retrouve forcément ici : dans cet étrange instrumentarium (trois batteries, deux contrebasses, deux trompettes, deux trombones dont un basse joué par Sam Kulik, qu'on découvre et qui est à suivre...), on note la présence de Ben Gernstein et Joe Moffet, mais aussi du batteur Flin Van Hemmen qui s'est déjà illustré sur le label Neither/Nor.
The Assembly, l'album de SDO paraît quant à lui sur le label américain OutNow Recordings, plus souvent dédié au travail du saxophoniste Yoni Kretzmer.
Le Systematic Distorsion Orchestra porte à la fois bien son nom et induit en erreur, ou du moins joue avec les faux semblants, ce qui semble être constitutif du chaos très organisé de son morceau titre « The Assembly » où le son constant des pizzicati de l'alto gratte un bourdon formé par le reste de l'orchestre, qui avance par poussées soudaines, tempêtueuses et parfaitement circulaires, notamment lorsque Nathaniel Morgan perce d'un souffle d'alto la forteresse bâtie par les trompettes et les trombones. La distorsion est certes systématique, celle de la réalité et de toutes velléités mélodiques, mais elle n'est absolument pas électrique.
Tout est de vent, de peaux, et de boyaux, fussent-ils de métal.
La Forteresse, l'idée est là. Ce n'est pas innocent si la pochette représente la célèbre photo de Evzerikhin pendant le siège de Stalingrad, ces statues d'enfant dansant dans le chaos.
C'est exactement le sentiment qui ressort de cet album et notamment de la longue composition « Le Relais » qui clôt un album court. Fait de soudaines accélérations et de moments plus lascifs, qui rappellent l'Acustica, The Assembly est une bonne illustration d'un siège. D'un moment collectif où même l'improvisation semble acculé à une nécessité circulaire, au milieu des rafales lointaines des frappes et au brouillard de métal.
Cependant, le SDO et l'Acustica poursuivent une voie différente ; là où Costa faisait un éloge de l'économie d'un mouvement pourtant inéluctable, l'orchestre de Loriot est se situe plus dans la construction méthodique d'une agitation qui submerge.
Seule cette submersion perdure. Elle est le fait notamment de cette base rythmique composé des contrebassistes Pascal Niggenkemper et Sean Ali. Ce dernier donne à « Maybe... Still... » un aspect étrange du fait d'un Spoken Word spontané au milieu des souffle des cuivres et de crissements de cymbales. Ses comparses sont les batteurs Carlo Costa, Flin Van Hemmen et Devin Gray ; on connaît bien les deux premiers. On a pu déjà entendre le dernier avec Eskelin ou Formanek.
Dans « Echo », le premier morceau, ce sont les trois batteurs qui décident des moments d'insoumission et de confinement. Mais ce sont les cuivres qui construisent le discours de révolte. Il y a dans The Assembly comme une allégorie d'une lutte permanente, collective, dont l'alto serait l'engrenage initial.
On se sent très à l'aise au milieu de cette famille de musiciens, tout chaotique que soit l'environnement.
A suivre, indubitablement.



By Eric McDowell for the Free Jazz Collective (July 2016) - ****1/2

At the risk of beginning with a cliché, there’s an organic quality to the music on the debut album by violist Frantz Loriot’s Systematic Distortion Orchestra. Developing with tectonic stateliness and glacial patience, the four compositions that make up The Assembly evoke natural phenomena—storms and swarms, cycles of life and breath. The playing has a physicality that suggests effort and sweat. The beauty of this music is not only in its sheer intensity but also in the details of its incremental escalation. So get out your headphones and close your eyes.


The Systematic Distortion Orchestra is a twelve-piece group with a line-up not terribly far removed from Carlo Costa’s Acustica. But by doubling and tripling some of the instrumentation, Loriot tailors his ensemble to the specific needs of these compositions, especially their timbral richness and complex layering. The Systematic Distortion Orchestra is: Loriot on viola; Nathaniel Morgan on alto sax; Brad Henkel and Joe Moffett on trumpets; Ben Gerstein on trombone; Sam Kulik on bass trombone; Sean Ali and Pascal Niggenkemper on double basses; and Carlo Costa, Devin Gray, and Flin Van Hemmen on drums and percussion.


Establishing a reliable structural principle, the album’s first track, “Echo,” begins quietly, with spare, disparate sounds not yet assembled: clattering percussion and sputtering brass, bowed bass warming up. A slow melodic phrase weaves in and out of the gradually accumulating morass of noise. I can’t help envisioning a seascape in tumult—drums sloshing and crashing over the terrible dark depths of arco string textures. The turbulence heightens and heightens until the only way to add to it, around the sixth minute, is for someone to scream. Not long after this climax, things begin to calm down and thin out. The deceleration is as masterful as the acceleration that made it necessary. And it would be irresponsible of Loriot not to take us back down to the ground carefully and safely.


Even if for my money “Echo” packs into ten minutes what other albums struggle to achieve in an hour, it’s worth moving on to the three remaining pieces. My only misgiving about the follow up title track is that it seems to try to replicate the experience of the opener. But even if the grammar is the same, the language is new. The

single epic breath of “The Assembly” is achieved not by the weighty sounds of “Echo” but by a fresh lightness. Pizzi bass replaces arco, kisses and whispers on the horns replace expansive grave melodies.


Next, opening with a long poem by bassist Ali, “…Maybe…Still…” changes direction more drastically. Little by little small sounds begin to infiltrate the space between Ali’s measured words; when the poem is over, the sounds continue, not mounting as in the previous pieces but creating an eerie, static atmosphere full of phantom groans and whines—this time I can’t help picturing an abandoned theme park, the amusements left creaking in the wind.


The final and longest track is called “Le Relais,” and the group delivers on the promise of that title—a thirteen-minute musical relay that puts Loriot’s novel line-up to new use. Still, within this system, the familiar pattern of rise and fall plays out—first in the percussion, then in the strings, and finally in the horns. Each overlapping leg of the relay is a master class in technique, control, and listening. As a whole, the piece forms an incredible triptych.


The Assembly comes highly recommended and is available from the OutNow Bandcamp page.




By Ettore Garzia for Percorsi Musicale (July 2016)

Le deformazioni dell'improvvisazione newyorchese e la Systematic Distortion Orchestra di Frantz Loriot


Nell'offrire spazio a qualsiasi tendenza, l'attuale scena improvvisativa della Grande Mela fornisce anche delle direttive di sorta: di fronte ad un assottigliamento qualitativo dei musicisti più in linea con la tradizione jazzistica, vivace si presenta l'orientamento di coloro che hanno sposato un concetto più ampio della loro espressione artistica; inoltre esiste una differenziazione per ciascuno di loro sia in rapporto alla generazione vissuta sia in rapporto al tipo di elementi utilizzati, anche se tutti sembrano far uso, in dosi diverse, delle scoperte della musica classica e contemporanea (salvo poi stabilire a parte le varie paternità con essa). Gli ultimi dieci anni circa ci impongono un quadro piuttosto variegato della situazione musicale improvvisativa che si addensa a New York, mostrandoci come personaggi del calibro di Roscoe Mitchell, Henry Threadgill o Wadada Leo Smith stiano transitando ancora su convergenze compositive, privilegiando esteticamente la scorrevolezza delle loro proposte, mentre mostri sacri come Anthony Braxton o Steve Coleman stanno continuando a lavorare su idiomi matematici o su suscettibili configurazioni spazio-temporali della musica (sintomatiche sono le rappresentazioni in movimento nei luoghi d'arte di Braxton così come particolarmente fitto si è fatto il lavoro di intercettazione delle relazioni funzionali-geografiche di Coleman che ha dimenticato completamente il suo funk-jazz). La nuova generazione di musicisti newyorchesi, in possesso delle carte in regola per il superamento di qualsiasi concetto tradizionale di jazz, si muove efficacemente nella propria progettualità con molte alternative: se alla base di tutto si evidenzia un evidente accrescimento della tensione profusa nella musica, non si può negare come ci siano differenze non leggere tra ognuno di loro: se ascoltate un Jeremiah Cymerman avrete paradigmi da scovare ben differenti di quelli di un Matt Mitchell (un fine senso del torbido contro l'intricata e sfibrante aggressività del secondo), così come una differenza la si trova tra le strutture complesse ed "armoniche" di Steve Lehman e le conductions libere e condite di colto esistenzialismo di Tyshawn Sorey. Inoltre c'è un interesse sempre più ampio a sperimentare in gruppo sotto direzione artistica: è un'esigenza che si basa su una sorta di saccente liofilizzato creativo, che fa un giro forzato da Butch Morris e poi si distribuisce in formati orchestrali che rivelano la volontà di arrivare ad un concetto cosmopolita dell'improvvisazione, in cui ognuno si introduce con le sue caratteristiche di lingua musicale. Quindi un unicum, che non può prescindere dal lato geografico e di produzione del luogo in cui l'improvvisazione viene svolta, prendendo dentro di sé legami comportamentali che sono patrimonio dell'esperienza vissuta. Non a caso si formano orchestre a New York o a Berlino che sembrano appartenere allo stesso ordine di preferenze, quasi fossero delle permutazioni: in un mondo sempre più internazionalmente allacciato, gli umori musicali (variamente diluiti) possono contribuire a formare un "prodotto" speciale (direi lastre musicali in fluttuazione dinamica), comunque autentico, frutto di un background che spesso non è strettamente musicale (si pensi alle bellissime intuizioni recenti di Sorey, sfruttate anche con la Banff Orchestra/NYC Improvisers, fino a 25 musicisti che girano periodicamente i locali di New York, coordinati dal batterista americano). 

Frantz Loriot ha formato la Systematic Distortion Orchestra con un scopo simile: pur essendo europeo, Loriot è uno dei tanti musicisti che mantiene un legame stretto con la realtà newyorchese e con la partecipazione ad organici della downtown; in The assembly Loriot ricostruisce una personale orchestra, con l'intervento di alcuni dei più promettenti giovani improvvisatori della città americana; con lui sono Ben Gerstein e Sam Kulik ai tromboni, Brad Henkel e Joe Moffett alle trombe, Nathaniel Morgan all'alto, Sean Ali e Pascal Niggenkemper ai contrabbassi, Carlo Costa, Devin Gray e Flin Van Hemmen alle percussioni. 

The assembly con molta modestia porta alla ribalta la bellezza del suono di qualunque qualità esso sia: melodico, distorto, graffiante, itinerante, etc. Echo comincia con un corale d'urto di tutti i partecipanti su un tema trasfigurato dagli ottoni che sembra provenire da un funerale di New Orleans: il caos, di quelli conosciuti dalla libera improvvisazione, subisce però un lento decadimento nella seconda parte quando la viola di Frantz percorre i segni dello stridore e intima all'orchestra di smorzare i toni. Pizzicati e strutture a strappi permeano la successiva The assembly, che vive di una colorazione quasi "impossibile" da definire, tant'è nevrotica ed immersa nelle soluzioni liminali dettate dalle tecniche espressive. Il reading di Sean Ali accompagna la "..Maybe...still", che riaccende ricordi della beat generation e delle Shadows di Cassavetes, mentre un eruttante impianto percussivo accompagna Le Relais, la quale pian piano ridisegna il caos congiunturale e assegna definitivamente un famelico aspetto musicale tutto riassunto in questa sessione.




By Marc Edwards for Jazz Right Now (July 2016)

When this CD arrived, I must admit I was not familiar with the musicians on this recording save trombonist, Sam Kulik, who I have seen in New York City working with theatrical productions. The opening track “Echo” starts with soft ominous sounds like a pending storm rolling into the local area. The orchestra builds the dynamics while the bassist is playing extended tones on the bottom. The trumpets then come in playing sounds, suggesting mourning or sadness. It is followed by one of the drummers shifting into free playing, soon to be followed by the other percussionist doing the same. I would have preferred that the drummers go completely nuts in this section, but the drummers are not overly loud. The trumpets are joined by the rest of the band and the lines suggest a Miles Davis tune. I like what the orchestra is playing and it is clear that this would work well in front of a live audience. The music gives the feeling of embarking on a journey somewhere, destination unknown! This song is very well put together. I applaud the musicians for their efforts on “Echo.” The trombone section enters playing lines reminiscent of a Godzilla movie. There is a scream shortly after the trombone lines are played. “Echo” builds to a climax and then, slowly winds down, fading into silence.

“The Assembly,” starts with scurrying insect-like sounds with the orchestra doing a nice job building sonic exploration. All of the members are on point listening to each other and making intelligent contributions on their respective instruments. They’re mindful of their dynamics and the excitement continues unabated pushing the song to the next level. The momentum continues building and the playing becomes freer but while maintaining the form of the song. This orchestra tends to operate as a unit as opposed to featuring select individuals. There is a logic in this, as the song builds reaching a high point and then the music level decreases its intensity, dropping to a much softer audio level. I can hear Sam Kulik soloing in a similar style as I heard him in the play, Permanent Caterpillar. Sam’s solo, using sounds from the thirties, provides a major change to what has been previously played. Throughout all the tracks, the orchestra provides a subtle undercurrent of tension that tends to come and go.

“… Maybe … Still …,” opens with spoken words by Sean Ali. I notice more groups are using poets and/or spoken words in their music, as I have done in my own, as of a way to show another part of a musical personality. Ali’s delivery evokes shades of the beatnik and other poets from the past. It is a welcome change of pace. Gradually, the orchestra members join in the fray, making staccato or not, sporadic sounds on their respective instruments. Once the spoken words stop, it is back to the low harmonics on the bass. It is a return to the low sounds produced on the first track. Both basses go in and out of these low register harmonics for a time, altering the way they produce these tones. The song ends with a series of  disjointed flavored sounds.

“Le Relais,” the last track begins with light percussive random beats which they explore at length. They move back and forth between drums, cymbals and percussion. I’m hearing choked cymbals, gongs, sporadic rhythms on the snare drum, low rumbling floor toms, bass drum, rim shots, and more, all happening spontaneously. The dynamics are decidedly moving from soft to loud. Finally one of the drummers cuts loose and they all begin playing wildly, creating a cacophony of percussive sounds. They’re joined by the basses and the viola. This creates a further cacophony of mixed tones of varying timbres, coming from everywhere. This track tends to feature the rest of the band from another angle, a great idea which allows everyone to shine. Later in the composition, the airy sucking sounds are emanating from the trombones.

I must say this CD was very satisfying. Frantz Loriot has put together a talented group of musicians for his Systematic Distortion Orchestra. If you like free jazz by an ensemble, this is a CD to add to your music library.




By FreiStil (June 2016)

Neues von Frantz Loriot: Der französisch-japanische Bratschist wartet aktuell mit Beteiligungen an gleich drei verschiedenen Projekten auf: Auf The Assembly des von Loriot eigens für diese Aufnahme erstmals zusammengestellten Systematic Distortion Orchestra geht es um die Suche nach einer neuen musikalischen Sprache für größere Ensembles. Die vier enthaltenen Nummern präsentieren mithilfe perkussiver Pointillismen, von Oberton-„Gezwitscher“, Klangflächen (z.B. erzeugt mittels länger ausgehaltener Töne oder auch Tremoli etc.) mirkrotonale Schwebungen und Rückungen sowie gesprochener und geflüsterter Lyrics, ein fortschreitendes Verdichten und Zerfallen im spannungsreich angewandten Crescendo-Decrescendo-Prinzip. Dies resultiert in einer Musik, die das Gehör auf eine letztlich sehr intime Weise zu fluten vermag, um dann wieder ins Bruchstückhafte zu verebben: Klänge von eindrücklicher Schönheit, die in ihren Bann ziehen.




By Joachim Ceulemans for Enola (June 2016)

Door met de naam van zijn nieuwe ensemble te verwijzen naar een uitspraak van Marcel Duchamp, licht altviolist Frantz Loriot al een tipje van de sluier op die deze ambitieuze onderneming verhult: systematic distortion slaat namelijk op het doelbewust afleren van elementen die via de traditie werden aangeleerd, als een manier om tot creativiteit te komen. Op The Assembly probeert hij met een klein orkest iets in die trant te doen binnen de context van collectieve improvisatie.

Het aspect vrijheid staat binnen de freejazz en vrije improvisatie voortdurend ter discussie. Voor velen is het een ongelukkig gekozen term en dekt "spontaan" de lading veel beter. Absolute vrijheid bij het improviseren is volgens de meeste muzikanten bovendien een illusie, een individu is altijd gevangen in het web van zijn eigen ervaringen en staat niet los van (de invloed van) zijn omgeving. De manier waarop iemand improviseert kan dan ook onderhevig zijn aan tal van omstandigheden, waarbij technische bagage en muzikale scholing onbewust tot bepaalde keuzes leiden, maar tegelijk ook voor zekere routines kunnen zorgen. Met zijn Systematic Distortion Orchestra lijkt Loriot te suggereren dat hij vooral dat aspect binnen de improvisatie wil neutraliseren of toch zoveel mogelijk. Eigenlijk hoopt hij op die manier vooral een originele taal te vinden die eigen is aan deze specifieke verzameling muzikanten.

Deze elfkoppige band is voor de Frans/Japanse violist niet bepaald een vuurdoop wat grote ensembles betreft. Zo vinden we hem tegenwoordig niet alleen terug binnen het geweldige Carate Urio Orchestra van Joachim Badenhorst, maar is er ook nog zijn eigen Notebook Large Ensemble, waarmee hij zich vorig jaar op het album Urban Furrow van zijn meest creatieve en veelzijdige kant liet zien. Verrassend genoeg komt Loriot nu dus opnieuw met een soort orkest op de proppen, al is het compositorische aspect in vergelijking met het Notebook Large Ensemble wel bijna volledig verdwenen, waardoor deze twee bands eigenlijk amper overeenkomsten vertonen. Het Systematic Distortion Orchestra is bovendien op en top New Yorks terwijl die andere groep toch een echt Europees product was.

Met drie drummers (Carlo Costa, Flin Van Hemmen, Devin Gray), twee bassisten (Sean Ali, Pascal Niggenkemper) en vijf blazers (Sam Kulik, Ben Gerstein, Nathaniel Morgan, Joe Moffett, Brad Henkel) blijft Loriot qua bezetting ver verwijderd van het conventionele orkest- of bigbandgebeuren. Zelfs het grote orkestgeluid, dat bij uitgebreide ensembles meestal als belangrijkste troefkaart wordt uitgespeeld, lijkt hier niet van tel. In opener "Echo" wekt Loriot echter nog even deze illusie, door de blazers plechtig, maar toch lichtjes intimiderend te laten schallen terwijl de drummers zich van hun meest extraverte kant laten horen. Op een gegeven moment weerklinkt in alle euforie zelfs een heuse oerschreeuw. Maar vanaf dan gaat het de meest onverwachte richtingen uit en laat het orkest zich vooral opmerken via een opeenstapeling van vreemdsoortige interacties, vaak boordevol details.

De fijnmazigheid die door sommige instrumentcombinaties wordt geproduceerd, levert enkele bijna volmaakte momenten op. Viool en gedempte trombone zijn in de titeltrack als gezouten boter op versgebakken brood: pure zaligheid. Nochtans is dat hele nummer voor de rest een regelrechte aanval op de conventies. Het samenspel vol fricties en gepruttel dat via allerlei vreemde technieken tot stand komt, zou het brandalarm in het gemiddelde conservatorium spontaan laten afgaan. Ook "...Maybe...Still..." beantwoordt amper of niet aan enig verwachtingspatroon. Hier staat zowaar een spoken word-passage van bassist Sean Ali centraal en creëert het orkest vooral een onderhuidse dreiging via allerlei percussieve elementen, gevolgd door een hoop moeilijk te definiëren geluiden als afsluiter.

Een makkelijke luisterbeurt is The Assembly uiteraard niet en voor sommigen zullen deze vier tracks gewoonweg niet verteerbaar zijn -- drie drummers die elkaar doormidden klieven is bijvoorbeeld best heftig -- maar de manier waarop het orkest zich als een organische massa voortbeweegt, is op zijn minst fascinerend te noemen. De avontuurlijke luisteraar verlangt natuurlijk niet anders en zal deze plaat lieflijk in de armen sluiten. Anderen raden we toch vooral het meer toegankelijke werk van Loriot aan, zijnde het Notebook Large Ensemble of het collaboratieve trio Baloni met Pascal Niggenkemper en Joachim Badenhorst.

Frantz Loriot is deze zomer artist in residence tijdens het Météo Festival in het Franse Mulhouse. Van 23 tot en met 27 augustus presenteert hij er twee gloednieuwe ensembles: een trio met Yuko Oshima en Anil Eraslan, en een kwartet met Cédric Piromalli, Christian Wolfarth en Antoine Chessex. Met ongeveer dertig concerten op vijf dagen van onder meer Mats Gustafsson's NU Ensemble, Archie Shepp & Joachim Kühn, The Thing feat. Joe McPhee, Zeitkratzer en het Roscoe Mitchell Trio, heeft dit festival daarnaast nog heel wat andere troeven achter de hand.



By Guillaume Belhomme for Le Son du Grisli (May 2016)

Dans le Systematic Distortion Orchestra qu’emmène Frantz Loriot, on retrouve Pascal Niggenkemper, qui tient une des deux contrebasses de l’ensemble en présence de dix autres musiciens : trombonistes (Ben Gerstein, Sam Kulik), trompettistes (Brad Henkel, Joe Moffett) et contrebassistes (Niggenkemper et Sean Ali) allant aussi par deux. Epais, l’orchestre se soulève lentement, se manifeste à l’unisson – quelques permissions individuelles sont bien sûr accordées – même lorsqu’il feint la mésentente, avant de laisser la parole à Ali sur …Maybe…Still… et à un étonnant passage de relais qui engage batteries, archets puis vents. Au final, l'orchestre de Loriot signe une œuvre d’une belle envergure.




About Sceneries (duo with Christoph Erb)


By Massimo Ricci for Touching Extremes (May 2017)

Any improvising duo can drown in the slimy waters of run-of-the-mill jugglery lacking a real purpose. Several albums — including renowned ones — have proven that this format looks ideal for hypnotizing over-trusting audiences with a bunch of technical exercises dispatched for creativity during endless invocations to the Mother of all Vacuities.

But wait; there’s also something called “commitment”. Saxophonist Christoph Erb (here doubling on tenor and soprano) and violist Frantz Loriot possess great experience both as participants in variously shaped collaborations and instigators of ensembles. Still, a record like Sceneries is rare to hear nowadays. Its five episodes are characterized by the force of a tacit agreement: each player seems entirely concentrated on his instrument rather than tending the ears towards what the other is doing. Of course that’s not true, for the reciprocal trust is obvious. Yet the desire of penetrating the sound individually, almost at a molecular level, is out-and-out scary in its persuasive energy.

So, what you get is an impressive variety of deformations of regularity spiced with disjointed scraps of timbral wholeness, as to remind us that skill and will can coexist without fighting. The music’s character is more or less always spiky, in your face, the acoustic picture of a self-sustaining creature determined to survive even in the worst possible conditions. The tones reveal all the components, the upper partials muscular and defined, the noisy qualities extremely usable in sheer musical terms. Convoluted whirlwinds and calcified anti-melodies destroy any residual resistance of silence, relentlessly forcing our attention to fire on all cylinders. At times one needs a few additional seconds to detect what is playing what, such is the degree of sonic transcendence reached. In that sense, a track named “Tinct” hits the ribs like a Korean flyweight, not leaving a single second to the listener to catch some breath.

Erb and Loriot could be compared to a couple of arsonists who, instead of running away after having done damage, stay there to admire the artistic values of their acts while continuing to add fuel. They just enjoy feeling the crackling of the flames so close to their bodies. Guess what: so do we.




By the Sound Projector (May 2017)

Creative Sources is a super-prolific label; due, possibly, to its founder, Ernesto Rodrigues’ curation policy of literally going into partnership with the artists on each release. It’s an interesting list of artists on their website, too. The names immediately popping out on the front page are Lawrence Casserley, Hannah Marshall and Axel Dörner and all in collaboration with other European players. Already there may be up to fifty further titles available since this item was published. This particular title is a cracking disc of free-playing, in which Messrs Erb and Loriot set up an environment of high anxiety, tension and disquiet. Sceneries is full of strident events, sudden dips in weight; as if the ground were suddenly falling away under your feet, cacophonic interludes, disconcerting melodic information appearing from the shadows like Victorian ectoplasm, only to mysteriously disappear again moments later. This is achieved with the most modest of means – Christoph Erb plays tenor and soprano saxophones, while Franz Loriot pushes himself to his limits on viola. Erb founded the Veto Records imprint, through which he has released his collaborations with other improvisors such as Fred Lonberg-Holm, Michael Zerang, Jason Roebke, Frank Rosaly, Jim Baker, Keefe Jackson, Tomeka Reid and Jason Adasiewicz. Frantz Loriot works with “acoustic &/or electric viola + preparations + fx set + tapes” in groupings such as Der Verboten, Notebook Large Ensemble and Systematic Distortion Orchestra, as well as in duos with percussionist Christian Wolfarth, and clarinettist Jeremiah Cymerman, plus other loose groupings involving Christian Weber, Christian Kobi, Theresa Wong, Pascal Niggenkemper and others.

There are five separate tracks, recorded by Daniel Wehrlin in May 2015 at a venue in what appears to be a housing co-operative in Kriens, Switzerland called Teigi Fabrik. Great interplay between the two musicians and along with moments of risk-taking there is that feeling that you only get when seasoned and experienced practitioners are in the room. What is immediately obvious is these two chaps have drilled so deep into their respective instruments that initially, it is hard to square what you’re hearing with the instrumentation they use. In an inspired move, on the second track, “Floating In A Tempest”, Christoph Erb physically moves away from the recording microphones and we hear the acoustic reverberation of the space they are using. At the end of “Annoyed Hibernation”, I imagine that Loriot’s viola is making a noise closer to that of the desperate swallows of someone drowning than any sound I’ve heard produced by that instrument before. Judging only by images on Loriot’s own website, I would suggest that he may amplify his viola as part of his technique, but this is not stated in the sleevenotes, so it may not be the case here.

To be more general, this is an area where, in the loosest sense of the terms perhaps, free jazz overlaps with electro-acoustic improvisation. The production is crisp and clear which affords us an unblinkered view of this sonic whole. The Alexander Calder-esque, or Pop Art-reminiscent sleeve design is by Carlos Santos. One of the best jazz/improv records I’ve heard in a long while – strongly recommended.



By Jean-Michel van Schouwburg for Orynx - improv and sounds (February 2017)

Avec Sceneries, le label Creative Sources poursuit sa vitale documentation des musiques improvisées radicales mettant en valeur des artistes excellents, originaux, voire rares. Très belle collaboration entre un saxophoniste chercheur et un violoniste alto intense (ou l’inverse). S’inscrivant dans les territoires mis au jour par Evan Parker et ses brillants émules (Urs Leimgruber, Michel Doneda, John Butcher, Georg Wissel, Stefan Keune, Martin Küchen, Ariel Shibolet, sans oublier les Guionnet, Denzler et cie…), lui aussi saxophoniste ténor et soprano comme Evan et Urs, le suisse Christoph Erb travaille sans relâche harmoniques, respiration circulaire, bruissements de la colonne d’air, prises de bec, techniques alternatives et mérite amplement qu’on l’écoute attentivement. C’est un souffleur original dans un domaine surchargé de talents et de démarches individuelles. Ce qui rend ces Sceneries vraiment intéressantes se font sentir dans la qualité du dialogue, par la profondeur de la recherche et à travers les équilibres que lui et son comparse altiste, Frantz Loriot, réussissent à atteindre. La fureur, la rage et le complet détachement du duo dans Annoyed hibernation et son prolongement avec Tincture, nous ramène à l’esprit et l’urgence qui animaient Evan Parker jeune et le Doneda atteignant la maturité. Le dernier morceau montre qu’il continue à chercher de nouvelles sonorités et de nouvelles idées en les combinant avec succès. Frantz Loriot fait partie de cette jeune génération radicale qui a défini l’usage de l’alto (violon « plus grave ») et la mise en avant des spécificités sonores de cet instrument : après la flamboyante Charlotte Hug, suivent Benedict Taylor, Theo Ceccaldi, Frantz Loriot et il y en a d’autres. Frantz fait exploser le timbre, étire les sons, tord la tessiture, sature les frottements d’harmoniques irréelles. Dans les mains d’un expert tel que F.L., le violon alto est devenu un instrument idéal pour faire éclater les sons à l’égal du saxophone poussant/ inspirant le saxophoniste à explorer de plus belle. Donc je vote sans hésitation pour ces deux improvisateurs, autant pour chacun d’eux séparément que pour l’entité vraiment remarquable qu’ils forment dans cet enregistrement en duo. Il faut suivre Christoph Erb et Frantz Loriot car ils nous persuadent déjà qu’ils iront encore plus loin en atteignant sans doute la plénitude de leurs aînés cités plus haut et de l’ombre desquels ils parviennent à s’imposer. Superbe album à mettre dans la série des albums en duo à recommander !! (PS, j’ai un album de Frantz Loriot chez FMR que je vais aller réécouter d’ici peu.)




By Ettore Garzia for Percorsi Musicale (January 2017)

(...) Così nel duo di "Sceneries" con Frantz Loriot alla viola, una stanza adeguatamente sonorizzata del Teiggi Kriens (un edificio architettonicamente recuperato anche per l'arte), permette di poter apprezzare in pieno un'improvvisazione viscerale, del tutto votata alla creazione di corrispondenti simulazione dei temi pensati; soprattutto la prima parte del cd (da Aurore fino ad Annoyed hibernation) rivela questa eccellente aderenza. Da una parte Erb crea circolarità, concentrandosi su suoni vivi, quasi estrazioni dalla colonna d'aria del tenore, mentre Loriot varia in pizzicati, ormeggiature al limite della saturazione, ripetizioni tirate con l'arco al confine dello stile minimalistico. In definitiva si riesce a mantenere, in un bellissimo e creativo equilibrio, il delicato rapporto esistente tra elementi armonici e non: un dialogo che non conosce confini, che passa in serie speciali di sentimenti come la luminosità, l'elegia, il contrasto, il nervosismo. (...)




By Vital Weekly (August 2016)

Since I discovered Loriot through his magnificent solo album, reviewed in Vital Weekly 1010, his name pops up regularly. More recently (Vital Weekly 1043) we discussed “The Asembly’ by his Systematic Distortion Orchestra. Now we find him in a duo setting with Christoph Erb, a familiar name here already for a longer time, especially for his releases on his own Veto Records. The Portuguese Creative Sources label, specialized in improvised music however releases this new one,. Recordings took place at Teigi Fabrik in Kriens near Luzern.

What is offered is a beautiful and well balanced recording. One can hear and distinguish every movement by both players, and follow their interactions. Both use a lot of (extended) techniques, totally in function of their expressive improvisations. I have heard already many records with Erb, but on this one his playing springs out for me. Some very poetic dialogues with a focus on sound, timbre and textures unfold here, with Erb playing tenor and soprano sax, and Loriot viola. They create intimate spheres through their concentrated and inspired playing. These two players are a perfect match. There is a real chemistry between these two.

They inspire one other to beautiful responses and proposals. Their interactions demonstrate a high level of musicality.

Very nice work! (DM)




By Pirmin Bossart for Jazz’n’More Magazine & Kulturmagazin (July 2016) ****

Vor einem Jahr in der Teiggi Fabrik in Kriens aufgenommen, gärt die Hefe dieser Improvisation auf CD unverminder weiter. Saxophonist Christoph Erb un Frantz Loriot durchstreifen ein paar abentueurliche Szenerien aud mal flächigen, mal aufgereizt schwirrenden Sounds. Die Intensität ihrer Begegnung ist in jeder Sekunde spürbar. Manchmal scheint Loriots Viola gleichsam flüssige Klänge abzusondern, ein anderes Mal rumort sie wie eine Maschine. Auch Erb bläst und flatterzüngelt sich jederzeit erfinderisch ins Geschehen. Klanglich sind bei diesem Duo ein paar prächtige Koinzidenzenerleben. Aber auch von der Dynamik und insgeheimen Bögen her haben die beiden einen guten Draht zueinander. Selbsvergessen un doch konzentriert bewegen sie ich durch die Unrast und Schönheit dieser fünf längeren Tracks. Die Hefe ist auggegangen, die Brötchen sind heavy geworden.




By FreiStil (June 2016)

Intimität und Schönheit zeichnen auch Sceneries, Loriots intensive Duo-Session mit dem großartigen Schweizer Saxofonisten Christoph Erb aus. Wagemutig und bestens abgestimmt, geht man gemeinsam auf musikalische Forschungsreise. Man bedient sich anspruchsvoller, erweiterter Instrumentaltechniken (wie beispielsweise Multiphonics, „false fingerings“ für Obertöne und Spaltklänge, verschiedenste Ansatztechniken, Flatterzunge usw. am Tenor- und Sopranhorn;  perkussives, Glissandi über mehere Seiten, Flageoletgriffe, verschiedenste Streichtechniken usw. an der im Mix etwas in der Distanz angesiedelten Viola), um auf „repetitiv-differierend-variative“ Weise einfache Grundstrukturen, wie Triller, basic Arpeggios, auch Skalensegmente, unter die Lupe zu nehmen, sich durch, auch intervallisch, weitschweifige Mäander zu winden und vor allem Territorien, auch weit abseits gleichmäßig temperierten Musizierens und schließlich quasi „reiner“ Klanglichkeit und Geräuschhaftigkeit zu begehen. Dies geschieht sensibel, hellwach und mit der nötigen Verve. Sehr stark.




By Franpi Barriaux for Sun Ship (june 2016)

Avant toutes choses, il faut se souvenir de deux disques, qui concernent nos deux improvisateurs de Sceneries, le suisse Christoph Erb, formidable multianchiste de Lucerne, et le violoniste alto Frantz Loriot, improvisateur franco-japonais installé depuis des années à Zurich. 
Pour le premier, c'est son duo avec le violoncelliste Fred Lonberg-Holm, Screw and Straw sorti sur la belle aventure Exchange (nous en parlions ici, et surtout ...), où la clarinette basse joutait avec le violoncelle dans un bouquet de textures chaotiques et de flux heurtés et brisés, parvenant tout de même à agglutiner les timbres, à s'unir à force d'entrechocs.
Pour le second, c'est son magnifique solo, Reflections of an Introspective Paths, où l'on découvrait son jeu étourdissant, mais surtout parfaitement pulsatil, capable de faire de chaque rebond sur les cordes des rythmiques aux profondeurs étranges, tirant parti du son si particulier de l'alto. Une technique que l'on retrouve ici sur "Aurore" où le violon palpite de son bois à ses cordes, presque vivant tout entier. Charnel et inquiétant.
Nous avions un alto seul, de l'autre côté, une clarinette basse et un violoncelle.
Amalgamons.
On réajuste les dispositifs timbraux, on adapte les instruments, mais c'est exactement l'enjeu d'un morceau comme "Floating in a tempest", où le ténor puissant d'Erb vient se laisser porter par les remous de l'archet. La mer de cordes est déchaînée, mais la ligne de flottaison est immuable. Elle se débat, le souffle est parfois submergé par les glissements imperceptibles et inquiétants, mais tout est tenu par la tension, omniprésente.
La tension, c'est la grande affaire de Erb, dont nous n'avons pas fini de dire toute l'importance sur la scènes des musiques improvisées européennes.
"Floating in The Tempest" est un exemple de cette opiniâtreté farouche, qui ne cède pas un millimètre, qui va fouiller le cliquetis de ses clés lorsque l'alto se fait plus perçant. On pourrait en dire de même de "Tincture", où le moindre mouvement, comme autant de tics nerveux, est un moyen d'aller au plus profond de l'improvisation, d'instaurer un équilibre précaire permanent, qui demande à chacun des improvisateurs une attention constante.
Voici les points communs avec le duo avec le violoncelliste de Chicago : ce goût pour les chocs obsédant, pour la pénétration au plus profond des limites de l'instrument avec une certaine délectation. La nervosité extrême.
Mais Loriot n'est pas Lonberg-Holm. Il ne tonitrue pas, il explose rarement.
Avec son Notebook Large Ensemble comme dans toutes ses récentes collaborations, on note sa capacité à organiser le chaos, à le mettre en perspective, à lui intimer une direction sans ne rien imposer. Avec d'ailleurs un volontarisme similaire à Erb.
Sceneries est donc la rencontre de deux acharnés, qui instaurent dans chacune de leurs cinq improvisations, de leurs cinq Scènes, un climat tout aussi inquiétant qu'il sait être fascinant.
On en revient à "Floating in The Tempest" qui en constitue le sommet. Il y a cette impression qui domine de deux roues indépendantes, deux tourneries parallèles qui n'en finissent pourtant pas de se croiser en s'évitant avec une grâce et une légèreté incroyable.
Sceneries est une belle rencontre, de deux musiciens que l'on sent très complices. Sorti chez Creative Sources, il plaira énormément à ceux qui aime l'énergie folle de l'improvisation européenne.
Nous en sommes.




By Rigobert Dittmann for Bad Alchemy (May 2016)

Frantz Loriot ist nach Stationen in Paris und New York inzwischen nach Zürich gezogen, wo er Anschluss an Tobias Meier Im Wald fand und mit Der Verboten - der dritte Treffpunkt sein eigenes Quartett lanciert. Zuletzt hörte ich ihn mit seiner Viola im Joachim Badenhorst Carate Urio Orchestra, hier hat er den Veto-Records-Macher an Tenor- & Sopranosax an der Seite, zu dessen morgendämmrigen Sopranosounds er verblüffend perkussive Klänge erfindet. Er scheint die Saiten mit Ventilator zu pluckern, streut Pizzikato dazu und klopft zudem mit einem Stöckchen. Als Christoph Erb sich aus einem Halteton zum Tirili aufschwingt, schraffiert er dazu mal schäbigen, mal schillernden Feinschliff ('Aurore'). Zu kräftiger flackerndem Gebläse rippelt er aufgeraute Bratschenwellen, was in seinem ostinatem Duktus tatsächlich einen stürmischen Eindruck macht, wobei Erb atemloser wird und die Viola zum silbrig feinen Gespinst ('Floating in a tempest'). Danach wird's winterlich, mit brummigen, knarrigen Strichen und schnarrenden, bibbernden, schnaubenden und spuckigen Lauten, wobei Erb aufgekratzt überbläst, mundmalt und Klänge zerraspelt und spaltet, während die Viola eisig zittert und ähnlich diskant sägt ('Annoyed hibernation'). Gefolgt von geploppten und gequäkten Kürzeln oder gerolltem Rrrr und spuckigem Gebrodel zu kratzigen Gesten und teils in rasender Geschwindigkeit geschrillten und gepluckerten Splittern oder ganz statischem Schiefklang ('Tincture'). Zuletzt lässt Loriot die Saiten zirpig knarren, aber auch wie eine Harmonika oder Drehleier klingen, während Erb sein Tenorsax beblubbert und ausschlürft und windbeutelig tutet und flötet. Jetzt ganz piano, ausgedünnt auf eine dünne Luftsäule und spitz pfeifende Striche ('Egress'). Wieder ein extremer Fall von "Ich trau meinen Ohren nicht... Wie machen die das bloß?"




About both Solo and the Notebook Large Ensemble


By Olivier Acosta on Mozaic Jazz (February 2016)

On est tout de même prit d’un léger vertige lorsqu’on consulte la biographie de Frantz Loriot, altiste ayant collaboré avec la crème des musiciens ambassadeurs de liberté, que ce soit en France ou aux Etats-Unis. Citons en vrac Anthony  Braxton, Joëlle Léandre, David S. Ware, Eve Risser ou encore Barre Phillips. La liste est non-exhaustive mais vous savez où trouver le reste. Parcours très intéressant a plus d’un titre, mais qui permet de situer le musicien à travers les expériences qui l’ont nourries, que ce soit sur le plan de l’écriture ou de l’improvisation. La musique de Loriot est une collision du Jazz de l’AACM, de la musique contemporaine, du free le plus radical, du travail de la profondeur du son et de la mise en forme de compositions complexes dont les fondements sont éclatés sur différents fragments de l’orchestre. Nous verrons que cette musique n’en est pas moins chantante, car Loriot est aussi un enfant de la pop, qui par goût s’est toujours révélé perméable aux courants les plus divers, de la musique savante à la musique électronique en passant, entre autres, par le rock ou la mise en son de performances artistiques diverses. 

Deux sorties récentes, et presque opposables, permettent de mesurer l’étendue du spectre expressif de l’altiste.


Des deux disques évoqués ici, Reflections On An Introspective Path est sans nul doute celui qui s’adresse prioritairement à des auditeurs avisés, ou du moins enclins à se laisser porter par un discours âpre, parcouru de dissonances et  débarrassé de contingences formelles. 

Il s’agit d’une plongée, non pas dans l’intime de l’alto, ce qui serait prétentieux, ou seulement dans l’intime de l’altiste, mais bel et bien une plongée au cœur de la relation que le musicien entretien avec son instrument. Les cordes sont effleurées, pincées, frottées, frappées. Loriot et sa délicatesse le font murmurer ou siffler. Loriot et sa violence lui extirpent les sons les plus extrêmes, grincements et stridences, parfois distordus par l’utilisation d’objets et d’effets. L’album est court mais il suffit à l’altiste pour développer des situations de jeu passionnantes de par la quantité de moyens mis en œuvre pour leur donner corps et l’esthétique torturée mais fascinante qui s’en dégage. 


La musique proposée par le Notebook Large Ensemble est quant à elle beaucoup plus figurative, et cette petite merveille qu’est Urban Furrow sera prompte à ravir un plus grand nombre de paires d’oreilles. Pour exigeant qu’il soit, le répertoire composé par Frantz Loriot et Manuel Perovic à partir d’idées déposées au fil du temps sur un carnet que l’altiste conservait sur lui (pour ne pas laisser filer les idées fugaces) est gorgé d’instants de grâce, de rythmes tour à tour moelleux où accidentés, de textures travaillées, de phrases, de mélodies et d’échanges, d’effets de masse et de pépiements. Cet ensemble foisonnant est composé de musiciens qui, tous, contribuent à faire vivre ces morceaux, que les arrangements subtils de Perovic ouvrent aussi bien au travail collectif qu’aux développements individuels. C’est patent dès l’ouverture du disque, lorsque les sons épars et abstraits de l’orchestre coagulent autour de l’alto pour finalement donner vie à une pièce limpide et lumineuse, où l’ensemble des discours libres s’organisent naturellement pour suivre la ligne mélodique.

Tout ici n’est que jeux d’ambiances et de tensions, et l’on passe sans heurts de parties puissantes en épisodes discrets, les musiciens s’organisant en ensemble, en sections où demeurant seuls maîtres de leur propre discours. D’où cette sensation de mouvement qui se réfléchit dans notre écoute, toujours attirée par des détails (phrases, couleurs) éparpillés sur tout le champ auditif. Beaucoup d’éléments sont développés en simultanés mais il n’y a pas de collision, les informations restent lisibles malgré leur abondance. Et puis, chose importante, la liberté au sein de l’orchestre passe parfois par un désordre apparent (mais nous ne sommes pas dupes, il s’agit au contraire d’agencements pointus), mais il n’y a ici aucune velléité destructive. Bien au contraire, les thèmes sont cajolés par l’orchestre, qui peut, en marge de ses parties explosives et de ses digressions, mettre en place des atmosphères fragiles et poétiques, comme sur la délicate chanson « To Hr ».

Les cordes, les bois, les cuivres, les percussions et, ponctuellement, les voix, offrent une palette de timbres aux nuances infinies, ici utilisée avec autant de goût que d’audace. Les six morceaux sont autant de petites histoires superbement scénarisées et interprétées. On se prend à vouloir évoquer chaque membre du groupe, car d’eux tous émanent magie et émotion… Le plus simple serait peut-être de vous laisser seuls juges. Ce disque est paru chez Clean Feed Records, il est absolument magnifique, et il ne tiendra qu’à vous de suivre ensuite les belles pistes à exploiter que représentent tous les noms des musiciens qui y ont contribué. C’est ce que nous faisons tous, non ?




By Ettore Garzia - Percosi Musicale (November 2015)


Frantz Loriot tra pensieri orchestrali e viole stridenti


Che la voglia di "aggregazione" musicale sia tornando prepotentemente alla ribalta è qualcosa sotto gli occhi di tutti; spesso però il problema è quello di avere le idee chiare sul da farsi e soprattutto veicolare nell'esperienza di gruppo l'equilibrio delle singole parti comunicanti. Negli ultimi tempi collettivi di assoluto valore come gli Angles 9 di Martin Kutchen dimostrano che può esistere ancora una dimensione aggregativa che sfrutta principi vecchi (l'empasse politico, la cavalcata free, la capacità popolare) per tirare fuori nuove configurazioni di suoni che non necessariamente attingono ad una logica strettamente jazzistica. Un'ulteriore dimostrazione di tenera bellezza, che coniuga cellule di composizione e spirito dell'improvvisazione, viene dal progetto del violista franco-giapponese Frantz Loriot, che ha organizzato assieme all'arrangiatore svizzero Manuel Perovic un gruppo di giovani promesse dell'improvvisazione tutto da inseguire: seguendo lo stesso principio usato per il Der Dritte Treffpunkt o la Systematic Distortion Orchestra (ossia invitare musicisti di estrazione geografica diversa a suonare insieme seguendo timide logiche di composizione), il Notebook Large Ensemble contiene oltre a Loriot e Perovic, una prevalenza di musicisti svizzeri tutti particolarmente interessanti: la sassofonista alto Sandra Weiss  (di cui mi sono già occupato in una sua registrazione qualche mese fa), il trombonista Silvio Cadotsch, il trombettista Matthias Spillmann, Dave Gisler alla chitarra elettrica e Silvan Jeger al contrabbasso e alla voce; il completamento dell'aggregato arriva dal cello dell'italiana Deborah Walker, dal sax tenore del belga Joachim Badenhorst e la batteria del nipponico Yuko Oshima, anch'essi già suscettibili di un certo seguito. Nella registrazione di "Urban Furrow" (Clean Feed) si recupera il fraseggio e la particolare vitalità delle bands di Carla Bley periodo Escalator over the hill, cercando di cucire con una cerniera lampo l'indomito lavoro di innesto tra il jazz (naturalmente quello più evoluto), la musica pop e la concertistica classica o da wind bands: "To Hr" sembra a tal proposito un intervallo ben congegnato di una song di Sting, così come l'iniziale "West 4th" si riveste di molte qualità che non sono ascrivibili solo alle polveriere della libera improvvisazione. E' la qualità dell'assieme che non tradisce, non c'è un minimo di retorica in questo gruppo di musicisti che sembrano non conoscersi ma che reagiscono tra di loro benissimo. La free improvisation rubata agli strumenti fa capolino sempre in un tessuto stratificato, che la vede interagire con una melodia vocale triste o con un patterns musicale che può provenire da varie fonti; da una giga fiatistica da banda paesana o sinfonica, da scarti ripudiati di jazz-rock canterburiano, da postumi irriconoscibili di fusione jazz, da intriganti evoluzioni agli archi che rammentano in chiave free la solitudine e l'ecatombe sensoriale delle recenti proposte classiche costruttivistiche russe. Tutto si concede, però, alla gradevolezza dell'ascolto. 

Loriot, dal canto suo, è reduce anche di una registrazione in solo viola che nel panorama jazzistico è cosa rarissima: disponibile per l'intero ascolto nel sito dell'etichetta Neither/Nor Records, "Reflections on an introspective path" alza il velo su alcune tecniche estese, rinforzandole di probabili significati: lo scopo di Loriot è quello di raggiungere nei suoni risultati simili alle modificazioni ottenute con l'elettronica, lavorando però solo sullo strumento (vedi qui una dimostrazione degli assunti in una sua serie di improvvisazioni): "Confluences" regala attimi impensabili per uno strumento nato in una conclamata classicità, segnalando come lo stesso possa allontanarsi, attraverso un uso eclettico dell'archetto e delle preparazioni manuali,  da quel sentimento tipico che l'ha contraddistinto e allo stesso tempo attanagliato nei secoli che corrisponde all'aggettivo austero. Le pressanti rappresentazioni di Loriot giocano sul particolare, sui microtoni, sull'ascolto armonico, per esprimere l'infausto procedere dei nostri tempi con stati divisi tra l'ebbrezza e l'esagerazione nelle tonalità acustiche, in una maniera che non guasta affatto il gusto intelligente della scoperta.




By Pirmin Bossart - Jazz’n’More Magazine (November 2015)

Grenzen überwinden

Die Viola ist ein ehrwürdiges Instrument der klassischen Musik mit einer langen Geschichte. Der in Zürich lebende Musiker Frantz Loriot macht die Viola auch in der improvisierten Musik zu einer Entdeckung. Zwei neue CDs zeigen das Spektrum einer Musik, die sowohl als pure Klangforschung (solo) wie als orchestrale Entfaltung (Large Ensemble) fasziniert.


Ohne es so zu planen, hat Frantz Loriot (35) an zwei Projekten gearbeitet, die jetzt auf Tonträger erschienen sind und unterschiedlicher nicht sein könnten. Auf „Reflections On An Introspective Path“ verwandelt er als Solist die Viola in eine unerhörte Klangmaschine. Auf „Urban Furrow“ lässt er seine eigenen Kompositionen von Arrangeuer Manuel Perovic bearbeiten und interpretiert sie mit einem neunköpfigen Ensemble.  Die Solo-CD ist harsche Klangforscher-Kost, die Aufmerksamkeit erfordert. Die Ensemble-CD ist stilistisch vielfältig beeinflusst und geradezu süffig. „Es sind musikalisch zwei verschiedene Welten“, bekräftigt Frantz Loriot. „Aber beide sind Teil von mir.“


Abschied von der Klassik

Der französisch-japanische Violaspieler, der nach New York und Paris mittlerweilen in Zürich lebt und arbeitet, ist eine Erfrischung für die Szene des zeitgenössischen Jazz und der Improvisation. Er bringt nicht nur ein in diesen stilistischen Gefilden eher seltenes Instrument zum Klingen, sondern hat auch einen interessanten musikalischen Werdegang. Dazu kommen sein Enthusiasmus für Musik jenseits von festgefügten Kategorien und eine Offenheit für verschiedene Stile. „Ich habe ein klassisches Studium gemacht, aber sehr früh auch Rock, Punk, Jazz und Hip Hop gehört.“


Loriot, der aus einer klassischen Musikerfamilie stammt, erhielt schon als kleines Kind Geigenunterricht. In Paris studierte er Musikwissenschaften und war Mitglied einer renommierten Kammermusikklasse. „Ich bin mit diesem heavy Klassik-Background aufgewachsen. So schön diese Musik ist, vieles davon ist 200 Jahre alt. An einem bestimmten Punkt realisierte ich, dass ich andere Musik machen wollte. Vor rund zehn Jahren bin ich definitiv aus der klassischen Welt ausgetreten.“

Es war nicht nur seine für ihn enttäuschende Erfahrung, dass viel klassische Orchestermusiker einfach einen Job machten und gar keinen Enthusiasmus für die Musik zu empfinden schienen. Es waren auch die Begegnungen mit Musiker-Persönlichkeiten, die ihn für die Improvisation begeistern konnten. Zu seinem ersten Mentoren wurde der französische Jazzgeiger Régis Huby. Als weitere prägende Einflüsse auf seinem mussikalischen Weg zur Improvisationn nennt er Joelle Léandre, Barre Phillips und David S. Ware. „Joelle Léandre brachte mich ins nationale Radio und versuchte mich zu pushen, wo es ging. Und Barre Phillips lud mich ein, in einem Ensemble als Solist zu arbeiten. Ich fühlte mich sehr geehrt.“


Eine entscheidende Erfahrung war die Begegnung mit dem amerikanschen Free-Saxophonisten David S. Ware (1949-2012), in dessen String Ensemble er Mitglied war. „Er öffnete mir und auch den andern einen neuen Zugang zur Musik. Es war ein fast spiritueller Trip.“ Drei bis vier Monate hätten sie jede Woche an der Musik gearbeitet. „Wir wurden auch mit der afro-amerikanische Freejazz-Tradition konfrontiert, die politisch und spirituell aufgeladen ist. David hat uns enorm viel Energie abverlangt. Leider ist er schon damals sehr krank gewesen. Bis heute ist von diesen Aufnahmen, die wir machten, nichts veröffentlicht worden.“


Notebook-Skizzen

Für das Notebook Large Ensemble, das jetzt mit seiner ersten CD in Erscheinung tritt, hat Frantz Loriot gezielt Musikerinnen und Musiker aus fünf verschiedenen Ländern ausgewählt, deren Arbeitsweise und Haltung er schon kannte. Mit dabei ist unter anderem der belgische Saxophonist und Klarinettist Joachim Badenhorst, mit dem Loriot auch im trio baloni spielt. Er habe ein „gutes casting“ gemacht, sagt er lächend. „Ich konnte mir den Sound im Kopf vorstellen und wusste, was ich wollte.“


Einige Musiker spielen zwei Instrumente (Joachim Badenhorst, Sandra Weiss, Matthias Spillmann), was die Klangfarben erweitert und manchmal auch jazzige und klassische Positionen einander näherbringt. Es wird auch gesungen/gesummt. Die Musiker bringen verschiedene Hintergründe mit. So hat die Schlagzeugerin Yuko Oshima neben klassischer auch traditionelle japanische Perkussion gelernt und viel mit Rockbands gespielt.


Die Kompositionen für das Notebook Large Ensemble basieren auf musikalischen Ideen, die sich Loriot jeweils in sein kleines Notebook geschrieben hatte. „Da gibt es nicht so viel Platz. Das zwang mich, konzise zu sein.“ Weil er die Melodien, Harmonien und rhythmischen Skizzen nicht für spezifische Instrumente notierte, konnte er sie umso freier für sein Ensemble einsetzen. Er übergab die Skizzen Manuel Perovic, der sie für das neunköpfige Ensemble arrangierte. „Ich gab ihm totale Freiheit. Natürlich diskutierten wir zusammen, und wir hatten auch nicht immer die gleiche Meinung. Aber ich fand es spannend, eine andere Perspektive in das Material zu bringen, das ich geschrieben hatte.“


„Urban Furrow“ ist ein Album geworden, das mit seinen melodisch einprägsamen und auch feierlichen Momenten zeitenweise wie experimentierfreudiger Ambient Pop klingt. Die Stücke gehen hervorragend ins Ohr und setzen Emotionen frei. Das kompositorische Element ist stark. Immer wieder gibt es Passagen, in denen einzelne Instrumente in den Vordergrund treten können, wenn auch nicht im herkömmlichen Thema-Solo-Thema-Schema.


Klang, Bewegung, Form

Eine bemerkenswerte Einspielung ist das Solo-Album „Reflections On An Introspective Path“. Nur gut 30 Minuten lang, ist es ein gut konsumierbarer Einstieg, um die Streicherklänge, Noise-Vibrationen und Resonanzspektren der Viola auf einer faszinierenden Klangreise geradezu auch körperlich zu spüren. Grundsätzlich habe er versucht, einen anderen Weg und eine andere Ausdrucksweise mit diesem Instrument zu erreichen. „Die Viola hat ja eine ziemlich grosse Geschichte in der Welt der abendländisch-klassischen Musik.“ Bewusst fokussierte er sich auf mikroskopische Strukturen und ihre Nuancen, inspiriert von elektroakustischen Komponisten wie Pierre Schaffer, Bernard Parmegiani, Luc Ferrari oder Francis Dhomont.


In den letzten 15 Jahren hat Loriot immer wieder solistisch gespielt und seine eigene Sprache auf der Viola entwickelt. „Für dieses Album wollte ich spezifisch an den Klangfarben und an der Bewegung arbeiten und diese beiden Energien irgendwie zusammenbringen.“ Die Künstlerin Morgan O’Hara hat das Moment der Bewegung auch mit ihrer Zeichung auf dem CD-Cover verdichtet, indem sie sich auf die Bewegungen von Loriots Hände beim Spielen konzentrierte. Gleichzeitig zollt Loriot auch der Form höchste Aufmerksamkeit: Sowohl in den jeweiligen Stücken, als auch für das Album als Gesamtes. „Ich wolle nicht einfach Stücke aneinanderreihen, sondern sie bewusst setzen.“ Der Musiker empfiehlt denn auch, das Album in der Reihenfolge der Stücke zu hören, um die Form präsent zu halten. „Das gleiche gilt auch für das Album des Notebook Large Ensemble.“



By Joachim Ceulemans - Enola (October 2015)

Associeerden we violist Frantz Loriot tot nu toe vooral met Baloni, het improvisatietrio waarvan ook Joachim Badenhorst en Pascal Niggenkemper deel uitmaken, dan zou dat stilaan wel eens kunnen veranderen. Na drie sterke langspelers met dat gezelschap, laat de Fransman met Japanse roots zich nu opmerken met twee stuks onder eigen naam: de soloplaat Reflections On An Introspective Path en het ambitieuze Urban Furrow, het debuut van zijn tienkoppige Notebook Large Ensemble.

Solo spelen en een grote bezetting leiden zijn twee van de voornaamste uitdagingen voor muzikanten in het improvisatiegenre. Als twee uitersten qua aanpak en organisatie kunnen ze gelden als een soort vuurproef voor talentvolle musici. Het toeval wil dat Loriots Baloni-collega's recent ook al op de proppen kwamen met zowel een soloplaat als een opname met een groter ensemble. Badenhorst veroverde de harten van vriend en vijand met zijn Carate Urio Orchestra, dat improvisatie combineerde met allerhande vormen van pop en rock, terwijl Niggenkemper met zijn "grote" groep volop voor de aanval koos, met het op sommige momenten verstikkende debuut van Vision7. Loriots aanpak op Urban Furrow leunt eerder aan bij die van Carate Urio, want ook hier worden elementen van (free)jazz, improvisatie en popmuziek op een behoorlijk aanstekelijke manier gecombineerd.

De basis van het repertoire kribbelde Loriot de afgelopen jaren bij elkaar in een notitieboekje, dat hij altijd bij zich heeft (en waar de naam van het ensemble naar verwijst). De muziek, zoals wij die op cd gepresenteerd krijgen, is echter mede de verdienste van Manuel Perovic, die niet alleen voor de arrangementen tekende, maar ook een compositorische bijdrage leverde. Samen sturen ze de groep weleens naar heel toegankelijk muzikaal terrein. In "To HR" is dat zelfs zozeer het geval dat men het stuk zou kunnen verwarren met een zoekgeraakt B-kantje van Beirut, de indieband rond Zach Condon. De weemoedige zanglijnen en het vertrouwd klinkende stemtimbre (vermoedelijk van bassist Silvan Jeger) maken deze associatie namelijk erg makkelijk.

Het uitgebreide instrumentarium, met daarin onder meer fagot, basklarinet, saxen, altviool, cello, gitaar en trompet, zorgt voor heel wat kleurmogelijkheden, en die worden op een positieve manier uitgebuit. Er zijn niet alleen de indrukwekkende collectieve passages, waaronder het stampende thema van "Blue Almonds" en de dwingende drone van afsluiter "Echo", maar ook de pientere koppelvorming van verschillende instrumenten, zoals in "Waiting For Miss Weiss". De staccatomotieven en de hoekige bewegingen in de openingsminuten van die track houden het midden tussen “Le Sacre Du Printemps” en de Jazz Suites van Sjostakovitsj. Door de diffuse cocktail van jazzy elementen en muzikale lijnen die er vervolgens wordt overgegoten, gaat de boog nog eens extra strak gespannen staan.

Loriot koos niet voor de bekendste namen toen hij zijn Notebook Large Ensemble samenstelde: de eerder genoemde Badenhorst is zonder twijfel de meest geroutineerde van het gezelschap. Hij mag in "Division" weerwerk bieden tegen de opkomende golven van het orkest en laat daarbij zijn tenorsax minutenlang heerlijk knetteren. Het is een voorbeeld van de collectieve full force-modus waarmee de groep in bepaalde tracks een soort maximalisme nastreeft, terwijl het op andere momenten net zo goed overschakelt op pure vertedering en fijne abstractie. Zo'n breed dynamisch spectrum binnen een gevarieerd repertoire zorgt dat de drie kwartier van Urban Furrow zo voorbij vliegen.

Reflections On An Introspective Path is een iets taaiere noot om te kraken. Terwijl Loriot met zijn Notebook Large Ensemble veelal een extraverte kant van zijn muzikale karakter laat horen, kruipt hij op zijn soloplaat bij wijze van spreken in zijn altviool. Hij legt zijn instrument onder de loep en bestudeert geduldig elke millimeter. Dankzij de loepzuivere opname en productie zit de luisteraar met zijn neus op het hele gebeuren; elke beweging, ritsel of ruis wordt waargenomen. Wanneer de intensiteit of het volume toenemen, gaat er bovendien ook een fysiek aspect spelen. In het eerste deel van het drieluik "Confluences" voelt men de pijn van de vingertoppen die de snaren onophoudelijk tegen de hals drukken, en moet men aan de finish eveneens naar adem happen, als na een zware inspanning.

In de afzonderlijke delen van "Confluences" past Loriot enkele aparte technieken en concepten toe. Door op verschillende snaren frequenties te spelen die slechts een fractie van elkaar verschillen en deze vervolgens lichtjes te manipuleren, creëert de altviolist in het eerste deel een compacte samenklank en een timbre dat traag maar voortdurend transformeert. Er lijkt hier bovendien ook een object tussen de snaren te zijn gestoken, wat een vuil schurende klank oplevert. Dat contrasteert fel met de aanpak in het tweede deel, waar breekbare flageoletten domineren en de strijkstok wel vervangen lijkt door een ganzenveer. Uiteindelijk worden de snaren gekastijd en praktisch van de viool getrokken, waarbij er soms niet veel meer overblijft dan het schijnbare kreunen van een zware houten deur.

Loriot blijkt een meester in het creëren van bijgeluiden, waardoor zijn instrument in "Wick Machine" en "Attained" eerder klinkt als een obscuur lid van een Aziatisch gamelanorkest dan als een viool. Men hoort percussieve, gongachtige klanken, wat de plaat een beetje in een geheimzinnige, ritualistische sfeer dompelt. Een kleine laag akoestische noise zorgt tegelijk voor een ruig industrieel kantje. Meer dan op Urban Furrow weet de Fransman zo op Reflections On An Introspective Path een heel persoonlijk en uniek muzikaal universum te creëren. Als het dan al een vuurproef mocht zijn, dan zijn Loriots muzikale kwaliteiten met deze puike albums ontegensprekelijk bewezen.



By Ken Waxman - New York City Jazz Record (October 2015)

French-Japanese violist Frantz Loriot’s newest CDs explore two disparate but complementary facets of his work with equal artistry. Reflections on an Introspective Path is a solo session where, following the precedents of pioneers like Leroy Jenkins, the violist creates a microtonal recital that stretches his instrument’s timbral limits while Urban Furrow involves a 10-piece ensemble’s interpretations of his compositions,

highlighting swing and stridency in equal measures. Swiss arranger Manuel Perovic is an invaluable aide, having performed similar tasks for other orchestras.

Using staccato techniques that suggest he’s playing electrified wires not gut strings, Loriot’s solo velocity allows him to move across his string-set with timbres as angled as a spider’s movements and as sharp as that arachnid’s bite. At the same time, as on “Confluences - movement 2”, he creates washboard- like rubs with stolid bow pressure, in effect pushing multiphonics out from each excited string. Auxiliary experimentation leads to transformative strokes on “Equilibrium”, where it seems as if two bows are in use to create the viola equivalent to tongue stops as well as pizzicato strums; a breathtaking climax consists of almost pure white noise. Countless scrapes and lacerations dominate the concluding “Attained” so that it could be that the violist is following Fluxus-like experiments to source new sounds by physically destroying his instrument. The preceding “Thwart Path” illuminates an inverse path as his harsh techniques soon transform into a chipper melody.

These melodic impulses are given a broader canvas on Urban Furrow, with the shading supplied by the Notebook Large Ensemble: Matthias Spillmann (trumpet and flugelhorn), Silvio Cadotsch (trombone), Sandra Weiss (alto saxophone and bassoon), Joachim Badenhorst (tenor saxophone and bass clarinet), Dave Gisler (guitar), Deborah Walker (cello and voice), Silvan Jeger (bass and voice) and Yuko Oshima (drums). Vocals are important since “To HR”, co-composed by Perovic, is a tuneful cabaret-style jeremiad backed by full-band swing, though nearly sabotaged by Loriot’s ironic string asides. Perovic’s commanding arrangements segue Gil Evans-like among emphasized clashes and coddling quiet, smoothness and stings. For instance, “Division” lacerates a moderato saxophone solo with sul ponticello string scrapes, blending atonality and storytelling. “Waiting for Miss Weiss” is a groove piece, where popping drums, clanking guitar and tenor saxophone snarks join to create a circus-like procession. In contrast, “Blue Almonds” and “Echo” cunningly balance Loriot’s precarious atonality with harmonic smarts. The former equalizes inner-piano explorations with a popping Latin-esque drum beat, following horn yodels that shift into a pleasing wordless-vocal section, spelled by sly note splaying from the violist. The orchestration of the latter is even more instructive— beginning with circular breathing from bass clarinet, the theme shifts to bassoon, whose continuous chortling continuum works as a sound guard to prevent the other members’ harsher interjections from shredding the tuneful program.

Alone or within a group, Loriot demonstrates that he has what it takes compositionally and instrumentally to maintain a promising career.






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About the Solo


About Reflections on an Introspective Path (Neither/Nor)


* By Bruce Lee Gallanter, Downtown Music Gallery (May 1st, 2015)

French violist Frantz Loriot has become part of the Downtown Scene over the past few years playing with folks like Joachim Badenhorst, Jeremiah Cymerman, Pascal Niggenkemper and Carlo Costa. The trio Natura Morta with Sean Ali & Carlo Costa has played here at DMG and were pretty great. Solo viola efforts are relatively rare and this one is in a class of its own. There is a quote inside this disc from Marcel Duchamp which talks about "unlearning how to draw" and how difficult it is. Mr. Loriot sounds like he is trying to free himself of virtuosic tendencies by exploring deeply, bending and twisting notes in ways which evoke several layers of strange sounds. I can alarms going off as he plays notes which are not within our common temperment or range. Dogs are barking outside my window complaining about the sounds that Mr. Loriot is making. Each piece explores a different theme or terrain and each piece is most effective: disorienting the balance of our thoughts. This music demands serious listening since it is not so easy to absorb without the attention it deserves. There are certain percussive or organic sounds going on which can't be easily explained since several sounds are going on simultaneously. In the future, scientists will look back at this disc and question what Mr. Loriot is doing or if he has gone too far. Hear this music now so you can enter the discussion and be prepared.



By Stef Gijssels, Free Jazz Collective (July 21st, 2015) - ****

I have written very positively before about French-Japanese viola-player Frantz Loriot, often because of the unexpected nature of his music, and his unwillingness to compromise, which in his case, because of his strong musical vision, is a good thing.


This album is a solo viola album, a very rare happening by itself, but Loriot's music will make it even rarer. The first track consists of multiple strings played at the same time, in an ever increasing move upwards on the  tonal scale, which by itself would not be unique, but then listen to the gut-wrenching intensity with which it is done, and this physicality of strings, bow, wood and sound is essential to fully appreciate Loriot's approach. The second track brings almost flute-like sounds, very quiet and introspective, to evolve to almost aggressive staccato sounds on the third, which gradually change into the sound of a hand saw going through wood without compassion, then slowing it down until you hear the instrument itself moan and the strings rebel against the treatment they get. This may sound harsh, but it's not judgmental, it's as if Loriot humanises his instrument, making it utter sounds for a variety of reasons, yet despite or because of the abstract level of the music itself, a deeper, emotional level is unveiled and even unleashed, primarily because of the intensity of the approach and the overall dynamics of the sound.


And that brings us to the album's title : you could expect an album called "Reflections On An Introspective Path" to be meditative, contemplative, sentimental or even mellow, but here it's the exact opposite. Whatever Loriot finds in his "introspective path" is not always something to be content with, it's a harsh reality that is not possible to catch with words, a laying bare of his soul, and one that screams to be let out.


A strong album.



By Pannonica (jazz club, FR)

Artiste complet, l’altiste Frantz Loriot réalise une oeuvre solo d’une rare densité, fruit de quinze années de travail, tirant de son instrument des aspects insoupçonnables qui font référence à l’électro-acoustique ou la musique concrète. Un dépoussiérage radical du jeu habituel, une plongée au coeur d’une dramaturgie contemporaine de haute voltige… Saisissant !



By Robert Ratajczak (May 2015)

"Reflections on an Introspective Path" to pierwszy solowy album awangardowego altowiolisty Frantza Loriota, jakiego nazwisko miłośnicy nowojorskiej awangardy słusznie kojarzyć mogą z triem Baloni, które muzyk tworzy wraz z saksofonistą Joachimem Badenhorstem i kontrabasistą Pascalem Niggenkemperem (m.in. świetna plyta: "Fremdenzimmer", 2011), a także z współpracy z legendarnym Anthonym Braxtonem. Ten mieszkający w Zurychu francusko-japoński altowiolista we właściwy tylko sobie sposób potrafi doskonale łączyć improwizację z elektroniką, rockiem i klasyczną muzyką współczesną, tworząc awangardowe kolaże wyznaczające odrębną i niezależną estetykę muzyczną. Niejednokrotnie muzyk tworzy oprawy dźwiękowe dla performerskich eventów z dziedziny tańca, obrazu i poezji. Poza wymienionymi na wstępie projektami, Frantz Loriot zaangażowany jest też w działalność w ramach międzynarodowego, 10-osobowego zespołu European Notebook Large Ensemble oraz formacji Systematic Distortion Orchestra.
Eksploracja możliwości tak wyjątkowego instrumentu jakim jest altówka, z jaką mamy do czynienia na tym albumie tworzy wspaniały mikrokosmos dźwięków i faktur zarówno w warunkach akustycznych jak przez zastosowanie efektów elektronicznych. Frantz Loriot podczas 30-minut trwania płyty, kreuje rozwinięte i głebokie formy będące rodzajem osobistej, intymnej podróży muzycznej.
Tytuł albumu znajduje również wyraz w ilustracji Morgan O'Hary zdobiącej okładkę: odzwierciedla ruch, czas, kształty i formę muzyki.
"Reflections on an Introspective Path" to muzyka intrygująca i wciągająca swym wyjątkowym charakterem. Warto przeznaczyć pół godziny na zagłębienie się w nierealny świat kreacji dźwiękowych obdarzonego niesłychaną wyobraźnią twórcy jakim jest Frantz Loriot.



By Guillaume Belhomme, Le son du Grisli (September 2015)

Frantz Loriot (violoniste alto sorti de Natura Morta) publiait récemment un enregistrement solo. C’est d’abord, sur les trois temps de Confluences, un instrument mis à rude épreuve : d’insistants va-et-vient y travaillent une première note qui, à force d’agression, accouchera d’une seconde, parfois d’une troisième – à la somme, il faudra ajouter quelques chants de friction.

Ailleurs, Loriot installe, au son de cordes lâches et de l'accrochage d'un archet précipité, des mobiles qu’un orage peut soudain emporter (Wick Machine). C’est la résistance de l’alto qui est ici à chaque fois expérimentée, presque autant qu’un possible art musical né de son éreintement.



By Franpi Barriaux, for Citizen Jazz (September 2015)

Habitué de labels comme Clean feed ou Intakt Records, le violoniste alto Frantz Loriot est un sideman recherché, que l'on peut croiser notamment aux côtés de Joachim Badenhorst ou dans le Vision 7 de Pascal Niggenkemper. C'est dans cette dernière formation que l'on avait puy croiser le musicien qui nous avait impressionné par sa réactivité et sa chaleur, et cette capacité à toujours relancer le propos de l'orchestre tout en le mettant en danger.
C'est donc avec beaucoup d'intérêt que Reflections on an Introspective Path, son album solo sorti sur le label Neither Nor Records a séjourné sur la platine ; parce que les albums de violon alto sont rares, mais aussi parce qu'il nous entraîne dans un voyage surnaturel, qui passe de l'infiniment grand à l'infiniment petit d'un morceau à l'autre.
De la multiplicité des archets qu'on croirait en re-recordings sur le premier mouvement de "Confluences" jusqu'à l'impression d'être au coeur de la corde, dans l'atome même du boyau dans l'intense Troisième mouvement, conçu comme un corps à corps avec l'instrument, qui donne le change d'un second mouvement qui confine au silence et joue des détails. Il est même des moments où la corde est tellement effleuré qu'on croirait un sifflement léger, cristallin, qui n'a rien d'incarné.
C'est l'un des rares moments où Loriot ne joue pas avec la raucité du "gros violon", et tout ces codes qui font sa réputation injuste, l'amplifiant même par toutes sortes de dispositifs électroniques et d'usage étendus : des batons, des pincements...
On ne peut s'empêcher de comparer Reflections on an Introspective Paths avec le solo de Guillaume Roy From Scratch. Les deux altistes partagent le goût pour l'imprévisible et l'approche charnelle du son, mais l'approche est différente. L'alto de Loriot est plus éloigné de son rôle naturel, il va chercher des sons éloignés au plus profond d'un spectre large. Il y a peu de percussion ici, on est loin également d'un autre solo -de violon cette fois-ci-, celui de Carlos Zingaró sorti sur le nouveau label portugais Cipsela dont le cher Olivier Marichalar nous parle sur Citizen Jazz. 
Reflections on an Introspective Path est moins bondissant, plus plein. Tout s'inscrit dans une recherche de densité qui emplit l'oreille, une masse que les grincements craquellent, comme un relief accidenté. On songe à ce que Niggenkemper a pu proposer dans son récent Look with Thine Ears tant le dispositif de tension et le jeu permanent entre frappe et frottement est cousin. 
C'est dans "Equilibrium" que le disque donne la pleine mesure de sa puissance. Le morceau plus long que les autres dans cet album court donne corps à l'instrument dont Loriot joue de tout les états.
Tout commence dans un souffle, l'alto respire, il y a quelque chose d'une pression qui exhale, et puis ça module jusqu'à se dédoubler. Peu à peu, il y a des brisures, des anfractuosités, une rythmique presque imperceptible qui fait prendre conscience de la matière boisée du violon et du crin de l'archet qui cahote sans rebondir.
On est capté, jusque dans le chaos. Dans les limbes de "Wick Machine" et sa petite musique mécanique qui fera songer à ce que proposait Fanny Lasfargues dans son solo ou dans le craquement final, libératoire, sur le justement nommé "Attained".
Un passionnant voyage.



By Tonino Miano - pianist - New York City (October 2015)

Reflections on an Introspective Path is a journey into a microcosmos and Frantz Loriot seems to hold a magnifying glass to it, it is fascinating. He has managed to tell a story by slowly unveiling the physical character of his instrument and the aural realm of its raw possibility. The qualities of the strings, and the qualities of the bow, and the potential of their combination. It is like a world that the sounds inhabit before it becomes the refined version we know and recognize as culturally acceptable, except that the way he presents it binds us to its potential to inform and express, as it is. And the form (the way it is presented and flows) is crucial!

Reflections on an Introspective Path gets 5 stars from me! 



By Vital Weekly (December 2015)

Every now and then, I encounter a record that really stands out. This first solo album by the French-Japanese violist Frantz Loriot is one of them. Exceptional and intriguing in many aspects. From a very young age Loriot played the violin. Later he studied musical sciences in Paris, and changed the violin for the viola. Under the influence of Joëlle Léandre, Barre Philips and others he turned to improvisation. And this CD with the descriptive title ‘Reflections on an Introspective Path’ is his first solo statement. He is involved in many different projects. Also he leads two large ensembles. One in Europe, the 10-piece European Notebook Large Ensemble, and another one in New York, the 12-piece Systematic Distortion Orchestra. New York is also the place where he did his recordings for his solo cd. Everything was recorded on December 20th, 2014 at Bunker Studios. The recording is crystal clear. It is like being inside the instrument. All sounds and every nuance evoked by his playing, using extended techniques, are registered and can be enjoyed at an almost microscopic level. The playing by Loriot is intense and lively. Impressive is the range of sounds he is able to extract from this instrument. But above all he manages to make very engaging and emotional music, that I experienced as very organic and physical. A true tribute to the viola! (DM)



By Grego Edwards for Gapplegate Music Review (May 2017)

Why do I write these? Not for fame or fortune, for sure. An entire CD of avant jazz viola solos may be critical to the new music scenario, and by directing readers toward it I am helping to define what's going on right now. So for better or worse I keep on. Even if my championing seems to me a thankless task.

    But no matter. Frantz Loriot is the viola master I speak of above. The 2014 recording of his solo viola improvisations is entitled Reflections on an Introspective Path (neithernor n/n 002). I covered Frantz's large ensemble compositions the other day, and he has distinguished the proceedings of a number of improv ensembles as violist. I've covered a number of these as well, as the index search box above will reveal.

    In spite of all that (and it is excellent) this recording perhaps represents the ultimate challenge. Hit the studios with only yourself and your viola. Create a CDs worth of edgy solo viola improvisations.

    The key to such an outing is expressive invention. Frantz Loriot has that. He disregards much of the time the accepted conventions of string technique and instead forges his own path of timbrally rich, counter-"legitimate" extensions of the sonic possibilities of the viola. And each of the seven improvisations contained on the album concentrates on a particular extension complex and its expressive potential.

    In the end we have an ever-contrasting series of adventures. Loriot is not content to stay in place, but rather to confront a widening vector of extended techniques with a free jazz fire and a new music recombinatory abstraction of means.

    This will not be everyone's cup of tea. But for those who let themselves open up to the sound dynamics Frantz so single-mindedly masters on this program, it is a revelation. As the Marcel Duchamp quote on the album sleeve implies, sometimes you have to free yourself of the technical habits of normality in order to create anew. Loriot does this consistently and poetically.


And so you who seek to go beyond need to hear this.





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About The Notebook Large Ensemble - Urban Furrow (Clean Feed)


By SquidCo (July 2015)

French-Japanese violist Frantz Loriot's large ensemble drawn from 5 nations in an excellent set of compositions that employs a diverse set of approaches, slyly drawing the listener into unique and encompassing sound worlds of remarkable elements and superb improvisation.



By Bruce Lee Gallanter - Downtown Music Gallery (July 2015)

Frantz Loriot wrote the music and Manuel Perovic arranged and orchestrated it but also conducts this special band to places barely seen before. This is nothing and everything at the same time. Delicatessen compositions, very unique music.

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French violist Frantz Loriot has been living in NY for periods of time recently, developing collaborations with players like Joachim Badenhorst & Pascal Niggenkemper (in Baloni), as well as with Jeremiah Cymerman, Sean Ali and Carlo Costa (in Natura Morta). This disc/project was recorded live in Zurich, Switzerland in April of 2014 with a fine 10 piece ensemble, co-led by Mr. Loriot and Manuel Perovic, who did arranging and conducting as well as composing. Besides Mr. Loriot & Mr. Bandenhorst, the only names I know here are Silvan Jeger from Day & Taxi and Yuko Oshima from a duo called Donkey Monkey with pianist Eve Risser.

Mr. Loriot himself is an intense improviser who has done his share of solo, duo, trio and now large ensemble recordings, all engaging in their own way. The first piece, "West 4th" starts freely and intensely and then breaks into an enchanting, harmonious, near-gospel-like mid section. Odd yet winning and gliding to a soft landing. "Divison"also begins with some free frenzy with an elegant guitar line emerging from underneath. This piece builds up with rocking drums and free wailing tenor sax. Strangely enough, there is one shorter vocal piece called "To HR" which has somber lead and chorus vocals (in French) which are actually endearing and fit well in the midway point of this mostly adventurous disc. It turns out that Mr. Loriot is a fine composer of spirited, compelling melodies which wash over us like warm inviting waves, eventually breaking free of their charts as certain soloists erupt for short bursts. Guitarist Dave Gisler often plays some fine, succulent lines underneath the soaring waves above. When this disc was released with the other eight or so Clean Feed discs last month, it got lost in the shuffle. It might just be the best of that bunch. Everytime I play it, it knocks me out once more.



By Marcin Jachnik - Multikulti project Blog (September '15) *****

Podobno któregoś dnia francusko-japoński altowiolista i improwizator Frantz Loriot zauważył, że ma tak sprzeczne i zwariowane pomysły na własną muzykę, że nie udało mu się zrealizować ich wszystkich w ramach jednego projektu. A on chciałby zawrzeć je wszystkie w jednym utworze! Gdy spotkał niedługo potem szwajcarskiego aranżera i kompozytora Manuela Petrovica okazało się, że obaj myślą o muzyce w podobny sposób, w jedno łącząc dęte orkiestry, pop, jazz z jego bigbandową tradycją, free jazz oraz klasyczną (komponowaną) jak i free jazzową awangardę. Tak narodził się Notebook Large Ensemble.

I rzeczywiście muzyka zespołu w jedno scala wszystkie te nadzwyczaj rozbieżne nurty współczesnej muzyki. Ale - co warto zaznaczyć - nagranie to, jak i sam projekt nie jest wygłupem, pastiszem, żartem, ale czymś nader poważnym, czemu muzycy poświęcili całą swoją wiedzę i umiejętności. Ubrane w wielowątkowe, pokręcone i bardzo zróżnicowane kompozycje piosenki wywiedzione niemal wprost z popowej sceny, złamane ideami czołowych free jazzowych twórców oraz klasycznym podejściem do dźwiękowej materii wywiedzionej niemal wprost ze szkoły Xenakisa. Czasami NTL brzmi niemal jak słynna Shibusashirazu Orchestra (środkowa część "Blue Almonds"), by za chwilkę, w tym samym utworze przywodzić na myśl skandynawskich songwriterów w rodzaju Susanny Wallumrod. A całość rozpoczęła się wszak od poszukiwania języka komunikacji w duchu free improv! Misz-masz panuje tu straszny i nic nie jest takie, jakim się wydaje, ale słucha się tego naprawdę znakomicie i jeśli tylko nie zrazi Was to dziwnie brzmiące w opisie stylistyki grupy zestawienie - będzie to płyta od której, podobnie jak i ja, nie będziecie mogli się oderwać. Nagranie jakiego John Zorn by się nie powstydził, chociaż nie wierzę, by zagrał tak miękko i misternie jak Lorriot i Perovic.

W moim odczuciu - absolutnie znakomite nagranie, chociaż przypisać go do szufladki po prostu nie umiem.

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By Pirmin Bossart for Jazz’n’more (January/February 2016)

Einen Kontrapunkt zum avantgardistischen Jazz- Timbre von unerhörti setzte der hübsche Eklekti- zismus des Notebook Large Ensemble: eine Zu- sammenarbeit von Frantz Loriot (viola, comp) und Manuel Perovic (comp, arr) mit einem interna- tionalen Tentett aus jungen lnstrumentalisten Das Repertoire klang mal geradezu besinnlich- vorweihnachtlich, dann wieder diszipliniert-chao- tisch, trieb das Pathos auf die Spitze, versank in schlummernde Gründe und brandete in ein fröh- lich-tobendes Finale. Zwischen den Bläsern und den Streichern sass im Bühnenhintergrund die Schlagzeugerin Yuko Oshima, die mit himmel- wärts gerichtetem Blick den Klangkörper tätschelte und aufpeitschte und den wahren Funken Freude in die Fuhr brachte.



By Franpi Barriaux for Citizen Jazz Magazine (March 2016)

S’il s’avère un pivot indispensable au sein de nombreux orchestres, à l’instar du Vision 7 de Pascal Niggenkemper, l’altiste franco-japonais Frantz Loriot n’a pas encore la notoriété que l’on pourrait espérer d’un tel instrumentiste. Son récent solo Reflections of an Introspective Path a permis de montrer combien ce collaborateur régulier du saxophoniste Joachim Badenhorst au cœur du trio Baloni était un orfèvre sans concession de son violon. C’est aussi sur le label Clean Feed qu’il propose un étonnant Urban Furrow avec un Notebook Large Ensemble (NLE), un nonet dirigé en surplus par Manuel Perovic qui cosigne les compositions et se charge des remarquables arrangements. Le Suisse, qu’on a pu également découvrir pour une tâche similaire dans le Jürg Wickihalder Orchestra, emmène dans son sillage une forte délégation helvète, parmi lesquels on découvre l’incroyable saxophoniste et bassoniste Sandra Weiss, remarquable d’équilibre dans « Division » qui s’ouvre dans une algarade de cordes où Loriot croise le fer avec le contrebassiste zurichois Silvan Jeger.

Le NLE est donc international ; s’y croisent une Italienne, Deborah Walker aperçue dans le Klangfarben Ensemble de François Cotinaud et une Japonaise, Yuko Oshima, l’autre moitié de Donkey Monkey. Un orchestre cosmopolite qui correspond bien au désir de Loriot et de Perovic de ne se laisser enfermer par aucune frontière, fût-elle géographique ou stylistique. C’est l’onirique « Blue Almonds » qui l’illustre le mieux, avec ses transformations progressives et ses revirements soudains. Une ligne de soufflants farouches se construit autour du chaos ordonné de la batterie avant d’être lentement remplacé par une psalmodie de Walker, doucement accompagné par les cordes. Urban Furrow est une errance qui baguenaude de surprise en surprise, le nez au vent. La musique pérégrine de l’improvisation libre à des instants presque pop sans jamais s’éloigner d’une musique contemporaine perçue comme une matrice. C’est ainsi que la pâte orchestrale de « Waiting For Miss Weiss », hérissée d’électricité par la guitare de Dave Gisler, est malaxée par l’écriture raffinée de Loriot et Perovic tout en laissant une grande place à l’aléatoire. Une démarche qui fait songer, de loin en loin, au travail d’Harris Eisenstadt, mâtiné de Soundpainting (« Echo »).

Le NLE est né d’un carnet que l’altiste conservait toujours sur lui, où il notait ses impressions durant des promenades ou dans ses multiples voyages de musicien. La transcription de ces notes en musique donne à l’écoute de Urban Furrow une sensation de déambulation permanente dans l’urgence de la ville. Un sentiment renforcé par des sons ponctuant la narration, tel ces murmures de courts de tennis sur « West 4th », dans une ambiance de dimanche après-midi ensoleillé. On est à New-York, mais quelques minutes plus tard, c’est Tokyo qui nous accueille dans la douceur recueillie de « To HR », où le trombone limpide de Silvio Cadotsch vient caresser la voix de Silvan Jeger, qu’on croirait un instant empruntée à John Greaves. Peu importe le lieu, on suit les yeux fermés les foulées de Loriot, dont le carnet de souvenirs fait siens les mots de Nicolas Bouvier : « On ne voyage pas pour se garnir d’exotisme et d’anecdotes comme un sapin de Noël, mais pour que la route vous plume, vous rince, vous essore ». Notre sentiment à l’ultime mesure de cette grande réussite.

Improjazz Magazine (nº226 - July 2016)

Cherchant une unité à Urban Furrow, I’auditeur ne sera pas au bout de ses peines. Il y trouvera des solistes inspirés Joachim Badenhorst & Sandra Weiss), des enchâssements énervés, des mélodies à faire pleurer Margot, des duels de cordes assez virulents, une vraie charnson dans la veine Wyatt-Greaves, du rythme, des superpositions, encore une mélodie renversante, une fanfare ninorotienne, du jazz maladroit, un lamento troublanL un tutti grandiloquent. C’est que Frantz Loriot, compositeur et Manuel Perovic, arrangeur-conducteur ont des idées bien précises : donner à chaque plage un scénario robuste et millimétré, prendre en compte les talents de soliste-improvisateur de chacun(e), éviter les tiroirs de la critique. Pari réussi me semble-t-il.



By Grego Edwards for Gapplegate Music Review (May 2017)

The idea of "never too late" fills my head as I jump in to cover something that may have come out in 2015 yet remains a vital offering for big band avant-free jazz improv-composition today. It is violist-composer Frantz Loriot and composer-arranger-conductor Manuel Perovic heading the Notebook Large Ensemble on the album Urban Furrow (Clean Feed 338).

All compositions are by Loriot, except the brief "To HR," which is co-composed by Loriot and Perovic. There are nine musicians involved in the band, an international intersection of worthy players: Loriot's viola of course, plus two reed players, trumpet, trombone, electric guitar, cello, doublebass and drums.

A broad wash of collective and individual improvisation moments set off and make alive the compositional elements. From the vamp-like chord progression integral to "West 4th," the abstractions and harmonic underpinnings of "Division," the song form and changes on "To HR," and so forth all the way through the album's sequence, there is a close fit between the writing and the improvisational spirit that brings the music to life.

And in the process free improv and compositional structures blend together to create a music than is more "both-and" than it is "either-or."

The result is a music that is neither strictly avant garde nor is it mainstream. It has an outness to it that brings foundational elements into play that the uninitiated listener might hang her or his ears onto to guide the experience and make it more readily accessible than a strictly avant journey would.

What matters is that the music hangs together as a whole, that all elements work together to create an interesting and satisfying musical experience. There is plenty here to dig into.


And I recommend you do that!






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About BALONI


About Fremdenzimmer (Clean Feed)


Jazzques, October 20th, 2012

(…) Ce jazz très libre, fait appel à tous les sens et Baloni ne nous laisse jamais tranquille, il nous oblige à rester en éveil, à rester attentif. (…) Il ne faut rien manquer.  Le trio démontre ainsi qu’il est possible de rendre toujours accessible une musique «dite difficile» dans laquelle l’improvisation n’apparaît pas toujours aussi abstraite qu’on l’imagine… Il suffit simplement de bien vouloir l’entendre. Si le voyage avec Fremdenzimmer n’est pas de tout repos, il est cependant FA-SCI-NANT d’un bout à l’autre.


Daniele Chicca, October 1st, 2012

(…) Il viaggiatore siamo noi. Alle prese con una tempesta. Una lotta verso l’accettazione in un mondo estraneo. Alla ricerca non di una verità che ci accomuni, ma di una verità tutta nostra.

Viaggi così intensi come questi si vorrebbe durassero di più, perché ci possano aiutare anche a rivelarci chi siamo. Come tutte le esperienze inaspettate, che ne scatenano un milione di altre. Ogni nuovo ascolto non sarà mai uguale, non vi comunicherà le stesse cose. Rassegnatevi, è tutto frutto della vostra immaginazione (ma andate a vederli in tour). Con una sola certezza: il significato di questo CD è da cercare dentro di noi. E’ dato dai collegamenti che facciamo nella nostra testa, dalle sensazioni che restano.


David Cristol, ImproJazz magazine, June 2012

(…) Mais cette musique ne pourrait exister et convaincre sans un sens aigu - et responsable - de la respiration, de la suspension et de l'organisation. Toutes choses subtilement et intelligemment abordées et perfectionnées ici. Beau disque.


Jeroen Revalk, Cobra.be, May 2012

(…) Het slingert de luisteraar heen en weer tussen verwarring en bewondering. Maar wie de moeite neemt om echt te luisteren, wordt beloond met drie kwartier verrassende klanken en muzikale delicatessen.


Stef Gjissels, Free Jazz Collective, February 29th, 2012

(…) The journey goes deep into the realm of lyricism and sonic beauty, a journey of strange harmonic encounters, timbral greetings, shared distances, differences of perspectives adding to the overall texture. As with these encounters, possibly hiking, on foot, the pace is slow, vulnerability a prerequisite for openness, openness the prerequisite for suprise, suprise the prerequisite for new ideas and the aha-erlebnis of new possibilities. (…) Just beautiful. So real! (****1/2)


Stephan Moore, JazzWrap, February 22nd, 2012

(…) At a time when music needs to move forward, Baloni is one of those rare groups that can show us the way. Fremdenzimmer is an album of unexpected exchanges, harmonies and patterns that fans of challenging and introspective sounds must give a priority listen.


Franck Bergerot, Jazz Magazine / Jazzman, January 30th 2012

CHOC - (…) La cohérence du propos et la constance de sa teneur finissent pas vous faire douter. Cette musique a l'élan de l'improvisée et la densité de l'écrit. (…) Ils ne se refusent aucun type d'événements (…), nous embarquant avec une palette de timbres qui fait oublier qu'ils ne sont que trois, avec une diversité de propos et une précision de geste qui les tiennent à l'écart des systèmes et des approximations dont ont pu souffrir le free et sa descendance. Jazz ou musique de chambre? (…) ils ne ressemblent qu'à eux-mêmes. Inouï!


Giuseppe Mavilla, Scrivere di Jazz, December 18th, 2011

(…) Si tratta di una produzione di grande valore: un misto di  originalità e  azzardo che premia la ferma volontà del trio di uscire da canoni espressivi già conosciuti. (…)Badenhorst, Loriot e Niggenkemper ricercano l’assoluto orizzonte di un'ideale commistione tra le varie essenze della musica contemporanea e riuscire a percepirne i contrasti, le affinità e le possibili sintesi per poi riproporle nella dimensione temporale e definita di una produzione discografica è sicuramente di grande merito. Stridulo, delicato, tempestoso ma straordinariamente unico e affascinante: questo è Fremdenzimmer.


Philippe Renaud, Improjazz magazine n° 199 - October 2013

"Baloni, Improjazz vous en a déjà parlé, avec l'interview réalisée par David Cristol. Le trio se retrouvait sur la scène de la Chapelle Saint-Jean, soit dans un cadre parfait pour cette musique "de chambre" improvisée. Le set fut parfait d'un bout à l'autre. (…) L'ensemble est parfaitement cohérent, incisif, et l'on sent que sous un aspect sérieux et concentré, ces trois-là s'amusent et sont heureux de joue LEUR musique. Et, par ailleurs, ils apparaissent séparément dans d'autres contextes européens, (…) signes que l'intégration de la jeune génération est en plein mouvement."


Philippe Méziat, Jazz Magazine / Jazzman, November 2013

(…) on commence par un trio franco-germano-belge de musique à la fois écrite et improvisée, présenté par l'altiste Frantz Loriot (…). Alternances de vibrations et fusées éclatées en tous sens et de passages écrits dans la meilleur veine "de chambre" contemporaine, et au total une heure pleine de rebondissements et de suspens propres à retenir l'attention. Un très beau CD publié chez Clean Feed sous le titre "Fremdenzimmer". (Choc Jazz Magazine/Jazzman)


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About belleke (Clean Feed)


Stefan Wood, Free Jazz Collective, September  2014

Baloni is an improv trio comprised of Joachim Badenhorst (bass clarinet, clarinet & tenor sax, worked with Han Bennink and Tony Malaby), Frantz Loriot (viola, played with David Ware), and Pascal Niggenkemper (double bass, played with Frank Gratowski).  Belleke is their second album on clean feed, their debut Fremdenzimmer garnering accolades for their unique brand of music, part chamber jazz, part surreal improvisations inhabiting classical trappings.

(…) Chamber industrial noise abstractions.  (…) a Schoenberg like classical piece, before the three build up the tension, (…) then fading into an almost minimal silence.

(…) all demonstrate the trio's ability to redefine the boundaries of how their instruments sound, in as of themselves and how they interact with each other.  The music never digresses nor is superfluous, the mostly sub eight minute works are succinct and clear.  (…)

Belleke is an excellent album of creative music making, defying convention and creating a unique sound that combines improvisations with classical sensibilities.  Recommended. (****).


Dave Sumner, Wondering Sound, July 2014

An odd sort of chamber jazz recording, where the expected elegance is eschewed for a gawky, captivating motion. (…) The range of expressionism has a breadth of uneasy serenity all the way to a crashing wave of dissonance, yet despite the varying degrees of silence and sound, the songs all sound part of a cohesive image. The shifting tides of “Feuertreppe” are both ferocious and stunningly beautiful.


Dave Sumner, Bird is a Worm July 2014

Belleke is an odd sort of chamber jazz recording, where the expected elegance is eschewed for a gawky, captivating motion.  With their sophomore release, Baloni, (…) hit on a range of expressionism that covers the breadth from an uneasy serenity all the way to a crashing wave of dissonance.  Yet, despite the varying degrees of silence and sound, the songs all sound part of a cohesive image.

(…) the music is framed in an unsettled peacefulness, vulnerable to the shifting tides (…) untamed songs of an unpredictable nature. And through it all, a motion with a strange and captivating flow.


Guy Peters, Cobra.be, September 2014

(…) We were very looking forward to what the second (…) would yield. (…) 'Belleke' is a most remarkable universe in which different rules apply. (…) Despite carefully composed passages, the ten pieces are also guided by poetic and associative improvisation, which is the cozy mystery sometimes late for what it is and salvation in uncanny places. The result is confusing, wrenching and sometimes almost frighteningly intense moments where harmony and cinematic experience first be subjected to full derailments shattered whimper, obsessively scraping and maddening chatter. Music with a surprising doggedness at times, but never meanders gratuitous or directionless.

And yet it's also music that demonstrates a remarkable commitment and can be found in both extremes of the spectrum, but the most beautiful of all is explained in the title 'Snowflakes', a soft shuffling sound poem with the delicate simplicity of a Japanese wood engraving into each other.


Clifford Allen, New York City Jazz record, November 2014

(…) Baloni maintains a willful tension between comely melodies and contorted absurdism with enjoyably weird results.


Pirmin Bossart, Jazz'N'More, December 2014

"Empfehlung" Die Musik flimmert, schreit, strömt, kämpft: Souverän und mit instrumentalen Raffinessen navigiert dieses Trio durch neun Tracks, in denen Hörgewohnheiten herausgefordert, geschliffen, zerstört und durchsichtig gemacht werden. Obwohl in New York entstanden, ist diese Trio mit Badenhorst (Han Bennink, Tony Malaby), Loriot (Leandre, Phillips, David S. Ware) und Niggenkemper (Cleaver, Sorey, Nabatov) durch und durch europäisch-avantgardistisch geprägt. Aber der kammermusikalische Jazz von Baloni zieht sich nicht in die klassische Ecke zurück, sondern wird von einer improvisatorischen Lust und Wucht getrieben, die Grenzen auslotet, raue Sounds keltert und Dissonanzen konfrontiert. Handkehrum wird auch mal geräuschhaft in den Zonen der Reduktion und der Stille musiziert ("Snowflakes"). Trotz dem offenen Kontext mit ungewohnten Klängen operieren die drei Musiker mit formalen Eckpunkten und intelligenten Interaktionen, die den Tracks Konturen und Nachvollziehbarkeit geben. Das zeigen Stücke wie "Feuertreppe" oder "What grows beneath", in denen freies Spiel, klassische Tonalitäten, Reibungen und rhythmische Parameter nicht einfach wild koexistieren, sondern in faszinierenden Architekturen und in gebührender Intensität verdichtet werden. (*****)


By An.Ga., Jazz Colours, December 2014

In questo scorcio di millennio il trio è formazione ricorrente, rappresentativa di quanto di più ori- ginale e innovativo è accaduto, forse perché più agevole di altre da controllare e, a saperla im- piegare, foriera di grandi possibilità timbrico-di- namiche e pertanto espressive. Tra i migliori trii in attività includiamo Baloni: per l’energia sot- topelle e per la costante freschezza della propo- sta, non ultimo per la capacità di equilibrare le parti composte con quelle improvvisate in un fluire musicale timbricamente cangiante e dina- micamente misuratissimo. In questa seconda prova, confermano il loro superiore talento e la cifra autoriale. Calati in una sorta di perenne, in- stabile equilibrio tra camerismo eurocolto nove- centista e improvvisazione totale, quello che maggiormente sorprende ed emoziona del trio è la capacità di restituire una amplissima varietà di soluzioni timbrico-dinamiche, quella di tra- scolorare agilmente dal Giuffre più pastorale e sereno alla dissonanza più urticante. Nell’iniziale Belleke, quieto ma tutt’altro che sereno, le pro- porzioni armoniche e di ruolo tra le parti rendono omaggio alla tradizione europea, eppure alcune

tecniche e suoni non convenzionali sono spia di altro a venire. In Building Nothing out of Some- thing emerge la grande abilità nel costruire la narrazione musicale a partire dalla ricerca tim- brica, tecniche estese incluse. In quattro minuti scarsi il brano fluisce lentamente, esso è formato solamente da note acute, slabbrate o pigolanti, da gemiti d’animali feriti e sopra tutto domina una ambigua intercambiabilità timbrica a con- fondere gli strumenti. Il robusto, solidissimo e ro- tondo pizzicato di Niggenkemper, in una lunga cadenza solitaria densa di arpeggi ed accordi, apre Mon Seul Désir. Agli arpeggi si uniscono, molto dopo, violoncello e clarinetto, gementi e stralunati; più oltre, tutto si fa rarefatto e side- rale ai limiti dell’udibile fino alla chiusa. Il clari- netto basso di Badenhorst apre Turning inwards Like a Glove con un tema epico esposto in soli- tudine; qui il trio raggiunge livelli inusitati di mi- metismo sonoro e libertà timbrica: il violoncello pigolante di Loriot e il contrabbasso, diventato ora percussione, di Niggenkemper fanno da sfondo al canto popolare di Badenhorst. Tra le migliori incisioni dell’anno in corso.


By Luc Bouquet for ImproJazz magazine, July/August 2015

Belleke ne ressemble pas du tout (mais alors pas du tout !) à Fremdenzimmer, le premier CD de Baloni (Joachim Badenhorst, Frantz Loriot, Pascal Niggenkemper). Pas de rythme voilé ou ouvert ici mais une multitude de figures faisant corps entre elle ou s’éloignant d’un centre qui, il faut bien en convenir, n’en était pas un. De ce jazz de chambre, on saisit d’emblée l’attrait du contrepoint, l’étrangeté prégnante. Les sons sont rouillés, demandent grâce (Building Nothing Out of Something). Mais l’étrangeté sera sans agression. Le trio flirtera avec la microtonalité avant de s’ouvrir en douce concordance (Mon seul désir). Le voile harmonique se devinera plus qu’il ne s’affirmera. D’une saine colère (Feuertreppe) naîtra une sobre mélodie. La clarinette basse glorifiera un hymne résistant avant qu’alto et contrebasse ne sèment la zizanie. La rudesse sera là (Heaving Hearts). La sagesse ne sera que de courte durée (Forgetting) : la rupture prendra racine et les deux pôles de se croiser et de s’entrecroiser sans oser l’alliance. Il y aura des mélodies grippées, des figures retorses, des grésillements. Il y aura beaucoup de surprises et d’inattendus. Baloni ou la métamorphose permanente.


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About Ripples (Ripples)


Martin Schray, Free jazz collective, August 2015

When I saw Baloni at Munich’s Offene Ohren (German for “Open Ears”) jazz club in April this year I was surprised by the development the trio has made. (…) they have become extraordinary, especially due to the facts that they seem to know each other even better, that they listen to each other very closely so that they are obviously able to react, and that they have a desire to risk something with their music. The musicianship has always been excellent, their improvising is a natural flow and the various timbre explorations are really gripping(…)

From the start their albums were fascinating, Fremdenzimmer and Belleke were discussed very friendly on this blog, and Ripples is even raising the bar. In general their style is infused with Baroque and modern classical music as well as the sound of jazz pioneers like Jimmy Giuffre or Joëlle Léandre. Based on these influences they have created something unique. There are enormous contrasts in dynamics, emotions and sound, on the one hand the instruments literally seem to surpass each other in furiousness and on the other hand they present moments of incredible privacy (Badenhorst and Loriot at the end of “De Rimpelingen Des Levens” (The Ripples of Life)). The music swells and ebbs – actually the album rather sounds like “waves” instead of “ripples”.

(…) Ripples was recorded live at Exploratorium, Berlin on April 11th, 2013, it is a wonderful chamber jazz recording and another proof for the marvelous output Clean Feed has had this year. As many very good albums it becomes more interesting the more often you listen to it. (****1/2)


Marek Zając, Multikulti Project, June 2015

"Po dwóch - znakomitych - płytach wydanych w portugalskiej oficynie trio Baloni okrzepło i nie bardzo juz można pisać o nich, jako o młodym zespole będącym nadzieją i przyszłością europejskiego jazzu. Fakt, członkowie zespołu to wciąż stosunkowo młodzi muzycy, ale zespół wydający swoją trzecią płytę powinien mieć już ugruntowana pozycję tak wśród krytyków jak i publiczności. Najnowsza płyta sprawia zresztą, że nie ma takiej potrzeby - znakomity album broni się sam, a Joachim Badenhorst, Frantz Loriot oraz Pascal Niggenkemper, do rozpoznawalnego stylu wciąż wprowadzają nowe elementy, z roku na roku i z płyty na płyty ewoluując wraz ze swoją muzyką.

Podobnie jak na pierwszych dwóch albumach fascynuje ich penetrowanie granic między kompozycją a improwizacją, a sami muzycy z niezwykłą uwagą podchodzą do procesu twórczego starannie słuchając siebie nawzajem. I to wydaje mi się najistotniejsze i zupełnie wyjątkowe w ich podejściu do muzyki - istniejące szkice kompozycji, tematy, mają znaczenie, ale - w ścisłym sensie tego sformułowania - są tylko punktem wyjścia. Zdarza się im porzucić kompozycję tylko dlatego, że partner zaproponuje coś ciekawego, albo też - jak wspominał któryś z nich - w skutek pomyłki muzyka, co zrodziło zupełnie nowe, nieoczekiwane napięcie wewnątrz zaprojektowanej części utworu. W tym sensie granica między kompozycją improwizacją jest płynna - szkielet istnieje a nic nie stoi na przeszkodzie by go modyfikować lub też zbudować zupełnie nowy.

Całość jednak muzyki jest jakby zabarwiona melancholią, a i muzycy mają niejaką skłonność do tworzenia lirycznych melodii - często zupełnie z czapki. Sprawia to, że piękno ich bywa nieoczywiste i poszczególne tematy, ich liryzm i kunszt, odkrywamy nie od pierwszego spotkania z muzyką tria. Muzyka, chociaż prowadzana w ciemnych i kontemplacyjnych barwach, bardzo często ma niepokojący charakter wyrastając gdzieś z nie-jazzowej. Improwizatorzy sięgają bowiem do tradycji komponowanej muzyki awangardowej dwudziestego wieku - do dokonań Scciarino, Scelsiego, Nono czy Berio, czasem wzbogacając ją jednak zdecydowanym groovem. Odpowiada za to basista Pascal Niggenkemper - jeden z najciekawszych muzyków młodego pokolenia. Takie podejście do muzyki owocuje także dużą zwartością formy, co sprawia, że do muzyki Baloni można powracać naprawdę wiele, wiele razy. Polecam gorąco!"


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Selected best concert of the year 2012 by David Cristol, Jazz Magazine / Jazzman.













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About NATURA MORTA


About Decay (FMR records)


Decay Review on the New York City Jazz Record, Clifford Allen (11/1/2014)

“Natura Morta is the trio of Costa, Ali and French violist Frantz Loriot (based in Zurich, active in New York for some time). Decay was recently waxed for the British improvised music label FMR, and is the group’s third and most widely available recording thus far. The closing “As the Dawn Fades” is a fine introduction to their music, recalling the Gagaku inclinations of late ‘60s Spontaneous Music Ensemble in its meditative, scrabbled processional as Costa makes gestured sweeps from gongs, singing bowls and drums, punctuated by muted, aggressive scrapes and woody thwacks. Col legno patter and below-the-bridge plucks from Ali’s bass are part of the ritualistic, colorful cycles that the trio explores, with high harmonics and brusque flits that belie their specific instrumental origins. A landscape of bowed metal, measured and condensed strikes and guttural drones make up the tough “Miasmata”, closer to the Gravity Adjusters Expansion Band or Ensemble Musique Vivante (and thus the contemporary composition realm) than free music and speaks to the structured intensity of Natura Morta’s shared language.”



Decay Review on Musica Jazz, Sandro Cerini (8/1/2)

“...appare evidente che i tre musicisti abbiano raggiunto un rilevante grado di integrazione, affinando un linguaggio molto personale – anche a partire dalla trasfigurazione dei timbri originari dei propri strumenti, spesso irriconoscibili. (...) degno di nota è il drumming scuro e suggestivo di Costa.”



Decay Review on Free Jazz Blog, Stef Gjissels (7/26/14)

“After their self-titled debut, this is Natura Morta's second CD, again with the same trio of Frantz Loriot on viola, Sean Ali on double bass and Carlo Costa on percussion. In a way, they perfect their approach: stretched sounds on the strings are supported by sparse percussive interaction.

You can only say this: it is intense, very intense, hypnotic even at moments and utterly strange, beautiful, horrifying and compelling. The trio's great quality is the incredible amount of restraint demonstrated to conjure up a vast atmosphere of desolation. It is fascinating to hear completely improvised pieces that are so coherent. (****)”



Decay Review on Touching Extremes, Massimo Ricci (5/26/14)

“Another meritorious outing by Natura Morta after their debut EP in 2012. Decay contains four considerate improvisations devised with absolute dignity, the trio making the most of deceptively frail structures as the music – though never exceeding certain dynamic thresholds – results gifted with vital strength to spare (the record’s title notwithstanding, one would say). In “Sirens”, distinguished by a plenitude of upper partials enriching asymmetrically cadenced materials, the voices palpitate and overlap; a relatively placid opening gradually reveals interesting outgrowths inside an abrasive fabric of unresolved dissonances. “Miasmata” is perhaps the part that truly bewitches me, a fine balance of efficacious frequencies with a correct dosage of self-examination. It crackles and creaks like an old wooden stairway about to crumble, toneless noises and strained scrubbing delineating an unwelcoming environment. This episode is also defined by simple percussive figurations founded on cymbals and tuned drums expanding their speed and reach with the passage of time. “The Burial Of Memories” is, at over 18 minutes, the lengthiest track on offer. Beginning with shrilling metallic scrapes to continue with a variety of rarefied events, clattering manipulations and unblemished juxtapositions, the piece resembles a ritual performed by three humble scientists turned shamans for a night, the whole ending with a brief crescendo that instantly disappears, pointing us towards the ultimate silence. “As The Dawn Fades” is entirely constructed upon ringing drops (reminiscent, in a way, of Kraftwerk’s “Kling Klang”), ample breathing spaces warranted to conclude a judiciously low-key album. Absorption and eventual acceptance come rather naturally, in small stages.”



Decay Review on Le Son Du Grisli, Guillaume Belhomme (5/13/14)

“Levant le nez : c’est tout un parc qui avait été aménagé à mes pieds. Avant de repartir, le trio y a planté des graines et enterré des œufs. Le Decay de Natura Morta, je m’y promènerai encore. Je compterai sur la brise pour faire tourner ses instruments, sur les frêles oiseaux qui s’y ébattent pour lui ajouter des touches et des variantes. Si la nature a horreur du vide, elle ne craint pas le silence. Ni les bruits quotidien qui ne cessent plus de le révéler.”



Decay Review on Just Outside, Brian Olewnick (5/10/14)

“... Here, the trio remains consistent, sticking with the "groove" (very high, scratchy bass scrabblings, nervous, high viola pluckings and agitated, thin percussion) fora good while, transitioning into a similarly toned, more percussive area. Roiling yes, but never over-busy, instead creating a prickly carpet that ably covers all of its 18 minutes plus, very nice. The cover image isn't a bad analogy. The final piece stays in that gently ringing percussive zone (through much of this, oddly, I though that the music was often something Roscoe Mitchell could have done but never did, this track included), soft and restrained, the sounds well spaced and just varied enough.

A good recording--I'll be curious to see if they move on from this.”



Decay Review on Jazz Right Now, Cisco Bradley (4/23/14)

“The title of this album, Decay, is appropriate for the sounds it contains. Each of the four pieces is a different foray into that theme, pushing, unraveling, delving through sounds to create a great deal of space, movement, and distance in the music. (...) It’s as if we are witnessing an aural slideshow of dying surfaces–withered skin, old animal hides, bark beginning to peel. There is an everyday-ness to the sounds, even as they are unusual or even unexpected. These surfaces are everything and nothing, like the summit of mountains, we fall under their enchantment, giving them our full attention without considering the great mass that lies beneath. (...) The three musicians featured here are pushing the very limits of their instruments while constructing an engaging narrative through their music, one that is highly abstract, yet personal.”



Decay Review on Scrivere di Jazz, Giuseppe Mavilla (2/26/14)

“Anche qui si viaggia ai confini tra suoni e rumori, una combinazione prediletta dal trio che ama esplorare le possibili relazioni tra i due elementi in un ambito assolutamente acustico. Suoni urbani che interferiscono con i bagliori estremi di strumenti acustici come la viola e il contrabbasso, intercettando o lasciandosi intercettare dai vagiti percussivi dell’italiano Costa. Suoni estremi, a volte ostinati come a sfidare la sensibilità e la tenacia di ogni possibile ascoltatore. Suoni stridenti che cercano un dialogo, un’attinenza tra di loro, che puntano a generare in molti casi un flusso continuo dove non alberga alcun tipo di armoniosità, mentre in altri momenti si naviga nelle acque stagnati di un minimalismo rarefatto. E’ evidente che tutto si svolge all’insegna dell’improvvisazione, di stimoli impulsivi, con nulla di preordinato ma nell’ambito di una dialettica in costante divenire. Un mondo sonoro affascinante e stimolante per ogni intraprendente ascoltatore, una espressività che guarda al futuro, un trio che ama le sfide e gli inediti orizzonti di un pentagramma inusuale stilato, di volta in volta, con lucida passione e libero arbitrio.”



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EP Review on Free Jazz Blog, Stef Gjissels (9/20/12)

“... new elements and suddenly emerging sounds (...) are a source of menace, adding an increase of tension, not actually assaulting the listener - the volume is too low for that - but adding a layer of danger - undefined like creaking floorboards - creating an anticipation of the inevitable doom. The album is short, some thirty minutes only, but really worth looking for. (****)”



EP Review on Le Son Du Grisli, Guillaume Belhomme (9/12/12)

“C’est un disque court mais sur mesures (...) Lorsqu’ils ne sont pas préparés, les instruments tournent le dos aux techniques traditionnelles – à défaut d’être rare, la cause est ici au moins justifiée...”



EP Review on Point of Departure’s, Bian Morton(9/4/12)

“(...) this unusually convened trio (...) offers blood and sinew as well as moments of dewy loveliness. (...) As the title promises, form and “composition” are central here...”



EP Review on Musica Jazz (9/1/12)

“Poco più di mezz’ora durano i quattro lavori contenuti in questo disco, registrati a Brooklyn nel Gennaio del 2012. Sono improvvisazioni che i tre riescono con determinazione e perfetta calma a distillare dall’universo del rumore nonostante usino strumenti tradizionali (Loriot la viola, Ali il basso e Costa – un romano che da tempo lavora a NewYork – la batteria). Appropriato è il titolo: i suoni che ascoltiamo sembrano quelli che precedono immediatamente la sparizione nel silenzio. Di quali vite? Di quali cose, sembrerebbe essere la domanda più appropriata. Costa e i compagni fanno comunque molto sul serio; e questo è indubitabile (G.D.B.).”



EP Review by Ken Waxman on New York City Jazz Record’s July 2012 Issue, and on Jazz Word (7/6/12)

“Using only acoustic instruments, the members of Natura Morta replicate the harsh textures of musique concrète with juddering crunches, abrasive squeaks and vibrating pops. Eschewing amplification, the Brooklyn-based trio of violist Frantz Loriot, bassist Sean Ali and drummer Carlo Costa operate in a dense landscape where extended techniques and instantaneous timbral actions reconfigure their instrument’s conventional timbres into sometimes unidentifiable pieces of a jagged sound picture. (...) Daring and inventive on their debut, the members of Natura Morta are sure to be heard - and heard of - again in this or other configurations.”



EP review on Lucid Culture, Alan Young (6/22/12)

“(...) In its own extremely well-conceived, twisted and defiantly perverse way, it’s a tremendously compelling listen...”



EP Review on Monsieur Délire, François Couture (5/30/12)

“(...) Delicate arco on strings, sound events that may seem unrelated, but slowly weave their own shared meaning in the course of each track. Artistically successful.”



EP Review on Dustin Carlson’s Blog (5/28/12)

“Enter the aural space of Natura Morta and be overtaken by delicately crafted realms of disturbing sonic experience. (...) Soothing, industrial soundscapes are created by the musicians’ use of drones, bells, and gently bowed strings. (...) It is impossible to parcel out the sounds each musician is making in these live recordings. Franz Loriot’s viola flitters and squeals into the sonic territory inhabited by Sean Ali’s howling bass. Bells ring, surfaces grumble - occasionally a low thud clues us in: we are hearing Carlo Costa’s approach to playing the drums. (...) mysterious, dark and intriguing.”



EP Review on Touchin Extremes, Massimo Ricci (5/26/12)

“(...) This, their first statement on disc (another, already recorded, is coming out within a few months) is a perspicaciously concise exploration of several aspects of the interrelation between timbre and dynamics. (...) it is acoustically gratifying, sturdily physical and delicate at once, and serious (minus the ostentation).”



EP Review on Scrivere di Jazz, Giuseppe Mavilla (5/26/12)

“(...) La relazione instaurata dal trio è intensa per tutta la durata della suite, che supera di poco i trenta minuti nell’ arco dei quattro brani, e alla fine ci si rende conto di trovarsi  ad ascoltare un’opera coraggiosa, estrema e che anticipa il futuro della musica creativa.”



EP Review on Buscando un Nombre (Tomajazz), Pachi Tapiz (5/4/12)

“Natura Morta (a saber Frantz Loriot, Sean Ali y Carlo Costa) juegan en su estreno discográfico homónimo con sus instrumentos (viola, contrabajo y batería respectivamente) utilizando técnicas distintas a las establecidas por la ortodoxia. Los cuatro temas que componen el disco muestran diferentes maneras de construir paisajes sonoros, en un trabajo en el que los cuatro músicos si bien no parece que huyan de las melodías, tampoco tienen ningún problema aparente en no encontrarlas. Sus improvisaciones libres se plantean con unas estructuras muy interesantes. A pesar de la total libertad de que disponen los músicos para crear estas composiciones instantáneas, durante muchos momentos trabajan en la misma dirección, hacia un mismo objetivo...”



EP Review on Downtown Music Gallery, Bruce Lee Gallanter (5/4/12)

“... The playing is most carefully crafted and quite effective at evoking lost spirits floating or communing. Time seems to stand still as we focus on the way the textures slowly shift into other worlds. A strange brew indeed.”



Review of a concert with special guest Laurie Amat in 22 Magazine (4/9/12)

“The final performers Natura Morta take the stage. The fire has burned down to a pile of smoldering embers. Many people are clearing out for the night but to assume the slow burn is not the one of the most dynamic portions of the evening would be a mistake. Made up of Sean Ali on contrabass, Carlo Costa on drums, and Frantz Loriot on viola, Natura Morta utilizes all that is left of burning mound and their self-professed “heated silences” are as compelling as their undefinable sounds, made from prepared instruments and unprepared musical structures. Loriot taps on his viola, while Ali rubs his hands on the bass, caressing and patting its curves. Laurie takes center stage and her cues brilliantly from the clockwork construction-squeaks, bumps, meows, wind gushes with the combination of mouth, glass tubes, wood objects and hands. The beasts are coming out after the fire has burned down, sniffing out the meaning of scorched earth left behind.”






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About BOBUN


About Suite pour machines à mèche


By Stef (Free Jazz Collective)

Bobun is a duo of French-Japanese viola-pkayer Frantz Loriot, whom we know from the excellent "Baloni", and French cellist Hugues Vincent. The line-up is rare and we have so far only reviewed two other albums on this blog (Stefano Pastor & Kash Killion, and Vincent Royer & Séverine Ballon). Both musicians have played together for ten years, as a duo, but also with lots of Japanese and French musicians, including the great Joëlle Léandre, who was a teacher to both of them.

By their very nature, string duets bring us away from jazz as we know it, and Loriot and Vincent take us even a step further away from the known. Their open-ended minimalist music is built around either a drone-like tonal center as on the first track, or around silence like zen drawings or zen gardens. The strings carve out the space around the silence. With little touches, soft movements of surprise and wonder. But like Japanese art, the approach is equally direct and in-the-moment, intimate, recognisable yet at the same time shocking, revealing, pushing the listener (and the players?) out of their comfort zone, challenging his or her perceptions until you give up and just go with the sounds. And this is rewarding, because by the time you've completely let go, the approach changes slightly in the ear-piercing last-but-one track and then into the last track which miraculously opens like a flower.

A strange compelling aesthetic.


By Jean-Michel Van Schouwburg (Orynx-improv'andsounds)

Un curieux et intéressant album réunissant un violoncelliste et un altiste (violon alto) et leurs objets. Que ce soit au bord du silence (Shizuka na Yume), dans un chassé croisé enlevé et tortueux (Un certain agacement se faisait sentir parfois) ou à l'unisson (Immersion), cet excellent duo propose différentes approches musicales qui attirent l'oreille et font sens. Nitescence (1:35) est une piécette minimaliste qui met en valeur de fines harmoniques avec musicalité : un rien crée de la musique. L'album se termine par une balade somptueuse et un jeu subtil avec la pression de l'archet, les harmoniques. Rien que pour cette Emersion, je vous recommande Bobun. On s'y rappelle même un peu Music from Two Basses ...

By Vito Camarretta (Chain DLK)

In addition to their passion for genetical engineering and defiling of respective musical instruments, viola and cello, as well as a decade of duetting, French-Japanese violist Frantz Loriot, whom I already introduced on the occasion of a review of his collaborative project Viola Two Viola with Cyprien Busolini, and French cellist Hugues Vincent have in common the teachings by Joelle Leandre, one of the most renowned improvisational master. Her Cage-inspired approach to composition, her precepts about the importance of solid classical compositional prep even for the most ungodly improviser who wants to build a bridge between improvisation and composition seem to resound in this "Suite pour machines a meche" (translatable as "Suite for drill machines"). The introductive tuning of "Immersion" with their two instruments which seem to follow opposite directions on musical scale - viola (getting more and more piercing) towards higher pitches and cello, which looks like an emulation of binaural tones of a brain machine, towards very low ones - and the final "Emersion", a sort of ballad where a certain declension of harmonics unexpectedly features in a lead role, could mean to suggest there have been some intent of describing a sort of journey into the abyss of respective performative language with some topical phases such the total approach on the threshold of silence on "Shizuka na yume", whose woody stripping of bark and gunky sliding on strings are maybe the most bizarre moments of the release, the mechanical assemblage, testing, timing and calibration on "La Machine", the neurasthenic and enervating scraping on the eruptive "Un certain agacement se faisait sentir parfois" (transl."A certain irritation sometimes makes itself perceivable") and the minimalistic harmonic germ of "Nitescence". This release by Bobun packs so many sonic hints that it easily manages to attract listener's ear.

By David Cristol (ImproJazz)

Suite pour machines à mèche du duo Bobun (Loriot, alto et objets, et Hugues Vincent, violoncelle et objets) a été enregistré à Saint-Jean-le-Blanc. On y retrouve les drones périlleux et la causticité des disques précédents, « Immersion » se parant aussi de « minimalisme » par de surprenantes inflexions tonales qui doivent autant à Lou Harrison qu’à Pauline Oliveros. Les objets à fonction percussive sont mis à contribution avec mesure et s’intègrent avec bonheur à l’ensemble. « Un certain agacement se faisait sentir parfois » porte bien son titre, captant au plus près du micro des cordes en pétard, avant qu’un bref « Nitescence » suraigu donne l’impression que les archets en veulent à vos nerfs et tendons. Le cinéma fantastique vous laisse de marbre ? Il vous sera difficile d’écouter ces albums dans l’obscurité sans en éprouver quelque inquiétude. « Emersion » clôt l’album façon lyrisme brut.

By François Couture (Monsieur Délire)

Despite the ruined piano displayed on the cover of Suite pour machines à mèche, Bobun is actually a string duo: viola player Frantz Loriot and cellist Hugues Vincent. They both also use objects in this series of studio improvisations. There are some gorgeous plays on textures and harmonics. I’m reminded of Ernesto Rodrigues & son. The long-form “Shizuka na yume” has everything to please my seasoned ears.

By Brian Olewnick (Just Outside)

I believe Bobun is the name of the duo consisting of Frantz Loriot (viola, objects) and Hugues Vincent (cello, objects). The cover may presage something of a Ross Bolleter excursion but I hear mostly the strings, no ancient piano in range. Six pieces, the first a very effective set of drones, rising to wails, plummeting to groans, overtly dramatic in perhaps an old-fashioned way but nonetheless, gripping. Things grow more disjointed thereafter, the pair, on the next track, scrabbling about on one instrument, wispily bowing the other, nervous, sometimes over-busy but a solid low tone anchoring affairs now and then. The music veers into a bout of efi-ish work midstream, circles back to the more contemplative, powdery rubs and bowings and I think I hear a few tinkles from that piano...or perhaps a music box. The final returns to the lamentative state of the opening piece, less droning, wavier, quite moving. SOme really strong work in here, even if there are inconsistencies. I get the impression that, like a number of musicians engaged in free improvisation (which this is), they're better served hewing closer to so-called traditional forms than forcing themselves ostensibly outward; there's still much beauty to be found therein.

By Eder (freiStil)

Rarely does that sound, what is commonly referred to as avant-garde, so lively, playful and earthy like the present improvisations by Frantz Loriot and his musical colleagues. As the sparks fly, because you can feel the simple joy of making music. Fastest to be heard on track 3 of the duo Bobun. A highly musical short circuit equal to Violin and Cello rub together until they fall silent exhausted. But the long suspense master Vincent Loriot and excellent. The last three improvisations give a unit: From the silence and darkness seems to be a faint light to approach. First gently, then mysteriously, then disturbingly passionate. Eventually gives way to the danger a conciliatory conclusion, with verifiable soothing harmonies and tonality. Also violatwoviola and Balonis fremdenzimmer are located on the same level. The former fiery brutal, the latter enriched with melodic jazzy set pieces. Nice if vanguard is so much fun.

By Julien Heraud (ImprovSphere)

Bobun est le nom d'un autre duo de cordes avec Frantz Loriot toujours, au violon alto (et objets), et Hugues Vincent au violoncelle (avec objets également). Les deux musiciens proposent une suite de six pièces très variées, des pièces improvisées mais qui semblent suivre des idées ou des structures préétablies. On passe du bourdon lancinant en guise d’ouverture à l’exploration sonique des cordes et l’expérimentation des techniques étendues, pour finir avec une pièce composée à partir d’une mélodie un peu sautillante. Différentes formes de dialogue et d’interaction sont également proposées suivant les pièces, qui vont de la confusion et de l’entremêlement total une distinction ou une hiérarchie des voix. Outre la magnifique pièce qui ouvre ce disque avec un bourdon très profond et puissant, l’attention aux couleurs, abstraites ou non, au son en général et à sa profusion dans l’espace ont pas mal retenu mon attention. Un bon disque proche de l’improvisation libre mais qui sait aussi prendre ses libertés vis-à-vis des canons de ce « genre », notamment dans sa recherche de formes et de structures singulières.


By Gapplegate Music

The European world of new music improvisation has grown to rather vast proportions in the last few decades. Happily I get a fair amount of it to review and today's offering is a very good example. It is a duo called Bobun, with Frantz Loriot on viola, Hugues Vincent on cello, both making use of "objects" either as elements in prepared fashion or supplementing the sound world as a whole. The album is titled Suite pour machines a meche (Creative Sources Recordings 215CD).

Each of the six sections of the suite has a particular aural identity, the first movement double-stopped dissonant blocks of continuity, the second prepared jabs of sound, and so forth.

What impresses me about this recording is its uncompromising avantness but also its rather rigorously defined aural breadth for each segment. "Extended techniques" are the order of the day much of the time, and each movement has a clearly defined sound world that gives the listener a shifting set of universes.

It is in the "tradition" of new music avant improv that goes back of course to the early-to-late '60s in the pioneering work of Il Gruppo, MEV and AMM. There is an expressiveness at times that relates to "free jazz" but mostly it is highly abstracted. You would be hard put to find anything in the way of a jazz vocabulary in this music, and of course that is deliberate.

I must say that Bobun has a constancy and expressive effectiveness that puts them at the forefront of recent explorations of this sort. That doesn't mean that it is an accessible music. It is hermetic instead. Those who are avant-initiated will be rewarded by close listening; those unfamiliar with the more extreme new music improv may be converted if they take the sound worlds seriously and devote some time to familiarizing themselves by repeated exposure.

It's a very worthy example of abstract outness!








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About VIOLATWOVIOLA


About ViolaTwoViola


by Vito Camarretta (Chain DLK)

Although it cannot be missing inside an orchestra or a chamber music ensemble due to the recognisable timbre and the primary role in filling middle tones of harmonies, whose peculiarity was known amidst legendary musical geniuses, viola has never reached the notoriety of other members of its family such as cello or violin. One of the possible explanation could be its dimension as it's smaller than a cello, but bigger than a violin, so that lutists must customize it after taking musician's measurements. Therefore even compositions for this instrument, particularly for soloist, are quite limited, but I'm wondering how this duo of skilled violists, made up of Frantz Loriot and Cyprien Busolini, managed to go beyond "limits" of their instruments by extracting uncommon sounds during their funny interplay. The nervous and slow scrubbing on the overstressed strings and strident noises they make with their bows after a dozing opening, which sounds quite similar to a snoring, could recall to mind a fierce dispute between shouting people, before storms gradually die down, just like their instruments have been completely exhausted by heated quarrel. The second track is even more funny and bizarre: in the first part it seems they are on the point of destroying their instruments by turning pegs or sawing strings till the moment they almost give voice to their poor violas, which look like a dog in the act of baying and yapping while forcedly dragged on leashes. The third and final track starts with a noise which could let imagine someone while striking a match, but before and during their interplay blazes up (...and it's so confusing their way of treating viola that you could think they're playing an electric guitar or a distorted shuriken!), they fiddle with (or maybe I'd better say they put on endurance teest) their violas. Por fim, temos ainda "ViolaTwoViola" de Cyprien Busolini e Frantz Loriot. Os dois violetistas aplicam o conceito de "duplo instrumental" na edificação de um universo sonoro comum, ainda que partindo de duas personalidades diferentes. Em quarteto, já haviam experimentado a fórmula do "duplo duo", com dois percussionistas e com dois saxofonistas, mas agora focam o projecto em si mesmos. O uso de técnicas não tradicionais torna, por vezes, algo desconfortável a audição deste disco, mas vale a pena a insistência. O que os intervenientes propõem é uma expansão dos léxicos e das possibilidades físicas da viola, com particular atenção no timbre. Há por aqui um muito interessante trabalho harmónico, embora por via da dissonância e, inclusive, da estridência. Rui Eduardo Paes

By François Couture (Monsieur Délire)

A duo of French violists. In three pieces (total duration: 35 minutes), they redraw the boundaries of their instrument. Their extended techniques are not as extreme as Charlotte Hug’s, but they manage to rethink our violas dialogue – of course, we rarely hear violas dialogue with themselves like this.

By David Cristol (ImproJazz)

Viola two Viola (là encore, durée modeste, bonne idée) est donc un duo avec Cyprien Busolini, violon alto lui aussi. Trois pièces enregistrées en France. « Track 1 » (c’est le titre) prolonge initialement l’esthétique de Natura Morta, mais pousse autrement le bouchon. Frantz Loriot aime le souffle qui anime les cuivres et cherche à traduire cet aspect sur son alto. Son archet acariâtre mène donc les cordes d’un quasi-silence feutré jusqu’à des crissements éperdus, l’ajout d’un deuxième instrumentiste adepte de la même approche produisant une pâte sonore troublante, dotée d’un tel relief qu’on pourrait presque la toucher. L’exercice est réitéré sur « Track 2 » (où l’on n’est pas certain, en milieu de parcours, de ne pas avoir affaire à un saxophoniste post-aylerien) et « Track 3 » qui s’apparente à une séance d’exorcisme menée par Niccolò Paganini.

By Julien Heraud (ImprovSphere)

violatwoviola est, comme son nom l'indique, un duo de violons alto, composé de Frantz Loriot et Cyprien Busolini. Un duo de musique improvisée semble-t-il, entièrement acoustique et assez original. Sur chacune des trois pièces proposées sur ce disque, le duo semble suivre une trame qui structure toute l'improvisation, une ligne narrative pas forcément très complexe, mais qui donne beaucoup de vigueur et de consistance à ces improvisations.

Sur la première, les deux musiciens semblent imiter une sorte de vièle et propose une espèce de bourdon dissonant et plutôt agressif. Une pièce pleine d'énergie, intense et puissante, où les deux archets frottent rapidement et violemment les cordes jusqu'au râle de celles-ci, deux archets qui se confondent en une unique masse sonore. Une pièce répétitive qui se construit et se déconstruit progressivement, très réussie pour ses aspects envoutants, tendus et puissants. Fort contraste donc avec l'improvisation suivante, qui se joue sur les micro-détails, les ruptures et les silences, et où les deux voix ont plutôt tendances à se distinguer. L'une est faite d'harmoniques continues et l'autre de techniques étendues (frottement du chevalet, avec le bois de l'archet, etc.). Beaucoup plus minimaliste et abstraite, mais formant un long crescendo qui aboutit à un climax surprenant, cette pièce parvient à conserver la même tension que la première. Et enfin, la dernière, évolue de manière poétique et rythmique, par strophes de sons de plus en plus massifs, des strophes de plus en plus intenses et puissantes et construites selon un crescendo comme la précédente avec juste moins de silence. Le dialogue est toujours très serré entre les deux musiciens, même si les voix se distinguent toujours, au niveau des couleurs mais non de l'intensité toujours très haute chez les deux.

Trois excellentes improvisations, riches, virtuoses, et puissantes où les cordes s'emmêlent littéralement pour former une masse souvent abrasive et puissante et des narrations tendues et inéluctables. Très bon travail.

 

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